① 什麼是藍調
現代藍調 (Modern Blues)
現代藍調是一個廣泛的概念，包含所有現代的藍調藝術家們，他們雖然未能見到傳奇的老派藍調藝術大師，但遵循了他們的步履。現代藍調既用原聲吉他，又用電吉他，結合從搖滾到流行到民謠的多種元素。有些藍調純粹主義者或閉門造車的音評人會說現代藍調只是些簡單的模仿者；但他們實際上在尊重過去藝人的基礎上融會了創意、天賦和更現代化的感官。Stevie Ray Vaugan 在生前一直被認為是獨特的藍調復興主義者（1990 年他直升飛機遇難而亡），其後又有 Robert Cray 和 Keb' Mo'。
跳躍藍調 (Jump Blues)
在搖擺年代，大型樂隊爵士、藍調、福音音樂和「布吉沃吉（Boogie-Woogie）鋼琴」全部結合起來，成為「跳躍藍調」。Cab Calloway 唱新鮮有趣的歌曲時，更強調了旋律。Slim Gaillard 則「說」唱出另人捧腹的超現實主義歌曲（通常是關於食品），而他的樂隊應和著喊叫著。Louis Jordan 也掌握了這種高能量的跳躍藍調，同時 Louis Prima 又結合了 Louis Armstrong 的人聲變化和小號技巧。跳躍藍調的西海岸版很大程度地受比較輕松的 Nat Cole 的爵士三人組影響，用老練的音樂和歌詞代替了強勁的能量。受正規古典音樂培訓過的歌手、鋼琴家 Charles Brown 就是西海岸的最佳代表。跳躍藍調影響了節奏藍調（R&B）和搖滾使成為美國派對的主流音樂，後來又成為 90 年代搖擺復興的主要元素。
口琴藍調 (Harmonica Blues)
由 Sonny Boy Williamson II, Lazy Lester 和 Jimmy Reed 倡導——然後由 Little Walter 和 Junior Wells 帶入 20 世紀後期——口琴藍調以藍調口琴為核心。Little Walter 在芝加哥發展了該風格的電子版，而 Slim Harpo 在路易斯安那演奏連頸口琴。在以後的幾年中，Paul Butterfield 和 Bob Dylan 把口琴融入到民謠、搖滾和藍調復古。
電子藍調 (Electric Blues)
只要插了電，就是電子的了。雖然電子藍調以電吉他的使用為標志，它也同樣以電貝司為標志——拾音器（用來放大原聲樂器的一種裝置）被裝到倍大提琴和原聲吉他中。從戰後的悲曲大師 Little Walter 到電吉他人 Smokey Wilson 和 Eddie Kirkland 都是電子藍調傳統的代言人。
三角洲藍調 (Delta Blues)
三角洲藍調大多用一原聲吉他演奏，是藍調的一種原形。其代表人物包括富有傳奇色彩的Robert Johnson, 芝加哥藍調的締造者 Muddy Waters，口琴師 Sonny Boy Willianson II 和藍調之王 John Lee Hooker。得爾他藍調用充滿熱情的歌詞和人聲，通常獨奏，也有一些小的組合，如 Willianson 的各種組合，也曾有過灌錄。
經典女性藍調 (Classic Female Blues)
女性在 1920 年開始接觸藍調。有歌手如 Ma Rainey 和 Bessie Smith，她們創作了許多尖銳而又自信的作品。以後的音樂家如 Billie Holiday 則降低了尖銳性，但同樣真實地反映了她們的生活與關系。
鄉村藍調 (Country Blues)
是一種起源於美國南方和中西部的大部分由原聲吉它演奏的藍調。鄉村藍調利用了從早期的滑音吉它到指撥演奏的獨奏、二重奏和弦樂合奏。先鋒者 Skip James, Brownie McGhee, Lead Belly 和 Lightnin' Hopkins 創導了這種現已不存在的風格。以後的電子吉它使之平穩地轉變成電子和現代的鄉村藍調。
綜藝藍調 (Vandeville)
在綜藝表演的最初年代，眾多劇院因偏好白人戲而忽略了黑人演出（頗具諷刺意義的是，他們實際上卻常上演一些模仿黑人老套形象的滑稽戲）。因為主流的排斥，黑人藝術家們組成了自己的圈子，在美國為數不多的場所上演專給黑人觀眾看的劇目。這些綜藝表演通常包括滑稽戲、魔術、舞蹈等，但最引人注目的當數藍調歌唱表演——出現了一批如 Ma Rainey 和 Bessie Smith 的歌手。綜藝表演要求表演者超越唱歌地取悅觀眾，於是加入了戲劇和舞蹈的成分，使黑人綜藝表演更深地吸引了觀眾。綜藝表演中的佼佼者 Butterbeans and Susie 因他們的特別的喜劇表演和精湛的藍調二重唱久負盛名。綜藝藍調在 20 世紀 20 年代處於巔峰狀態。
城市藍調 (Urban Blues)
城市藍調的歌詞充分反映了都市生活。「城市藍調」一詞最初是為了與鄉村藍調區別，到四十年代逐漸形成自己的風格。城市藍調包含了 Louis Jordan 的跳躍藍調到爵士的最新花樣，包括了 Percy Mayfield 和 Ray Charles 的帶有城市化的感覺的低吟。
德克薩斯藍調 (Texas Blues)
德克薩斯藍調發展於 20 世紀 20 年代，很大程度地從鄉村音樂過度，只是濾去了鼻音。它節奏鬆散，也稱「德克薩斯拖拍」，在拍子後面拖擺一點。歌詞方面，擺脫了「強作愁」的主題。德克薩斯藍調常用傳統的旋律，一把吉他而不是吉他合奏。然而，德克薩斯藍調在二戰後趨向電子化，主要受 Clarence "Gotamonth" Brown 的影響，他們在管樂部分用電吉他獨奏表演。其後，T-Bone Walker 和 Stevie Ray Vanghan 繼續保持了拖拍的節奏和輕松的德州傳統。
沼澤藍調 (Swamp Blues)
因路易絲安那州的沼澤而得名。沼澤藍調慢悠悠地，用口琴、吉他演奏，出現過偉大的 Slim Harpo。經摻入新奧爾良的節奏與藍調的韻律、加上回聲和延遲的電吉他效果，沼澤藍調可悠揚如 Lonesome Sundown 和 Lightnin' Slim，活潑如 Lazy Lester 的口琴。
靈魂藍調 (Soul Blues)
一種傳統藍調和 60 年代靈魂音樂的快速旋律的熔合物，靈魂藍調是涵蓋兩種傳統的藝人。以標準的藍調樂隊為基礎——鋼琴、吉它、貝斯、口琴和打擊樂——有時加入節奏藍調曲調的管樂，靈魂藍調的音樂家們延伸了傳統的界線，又保持了靈魂樂的根基。Etta James, Bobby "Blues" Bland 和 Jonnie Taylor 都曾是靈魂藍調的佼佼者。
鋼琴藍調 (Piano Blues)
各種時期的爵士型、藍調型音樂、即興的演奏，只要是用鋼琴演奏的藍調，那就是鋼琴藍調。鋼琴藍調的范疇包括從 Count Basie 和 Rossevelt Sykes 到 Ray Charles, Dr. John 甚至是福音音樂的祖師 Thomas A. Dorsey。
紐約藍調 (NY Blues)
成熟的紐約藍調吸收了跳躍藍調、搖擺、Bebop 和早期的節奏藍調中的精髓。它在 40 年代搖擺時期綻開，當時 Lionel Hampton 的大型樂隊用上了藍調歌手和強烈的節奏。 正當吶喊的 Big Joe Turner 影響了搖滾樂，Erskine Hawkins 和 Eddie 「Cleanhead」Vinson 把大眾的藍調和受高度尊敬的搖擺爵士聯繫到一起。
新奧爾良藍調（New Orlean Blues）
顧名思義即知，藍調決不是笑嘻嘻地找一番樂子（英語「藍調」blues有憂傷的含義）。但於此——並非絕無僅有——新奧爾良藍調稍稍有別。它帶有加勒比韻律（尤其是倫巴）和一些美國南方音樂色彩，只在派對聚會上才有用武之地。此類別可輕松休閑，也可捶胸跺腳地豪放，有Fats Domino 和 Professor Longhair 等出色藝人，用了號和即興發揮的鋼琴伴奏。
孟菲斯藍調 (Memphis Blues)
當 W.C. Handy 寫「Memphis Blues（孟菲斯藍調）」時，他根本沒有想到這個詞的深遠影響。孟菲斯藍調的兩大派系中的前一種是在 20 世紀 20 年代的 Beale Street 初生，從眾多「陶瓶樂隊（jug band）」和綜藝表演衍生而出，Memphis Jug Band 的弦樂風格和 Memphis Minnie 和 Frank Stokes 的粗獷而又時常滑稽的風格而備受歡迎。這種孟菲斯藍調的早期形式發明了一種演奏方法：主音吉他在一曲中有一「段」特殊演奏——這種方法至今已成為標准方法了。後一種孟菲斯藍調是在 50 年代前期開始的一種電子風格，是更響亮而又激進的藍調。樂手們採用了擴大的、失真的吉他和較重的鼓聲，對今天的大多數藍調藝人有更直接的影響。
爵士藍調 (Jazz Blues)
爵士藍調有著堅實的藍調根基，但又吸收了富變化而又稍快的爵士音樂。這類音樂家們通常把爵士樂的即興演奏特點摻進了經典的藍調音樂三和弦結構。爵士藍調包括從鋼琴師 Mose Allison 以爵士為主的作品，到吉它手 Lonnie Johnson 的扎實的藍調，還有 Ray Charles 的激情盪漾而又博採百風的鋼琴藍調。
民謠藍調 (Folk Blues)
民謠藍調可追溯至 19 與 20 世紀交界的小酒吧音樂和晚間小慶典的原聲風格。它產生於南方從德克薩斯到三角洲的影響，被許多人認為是美國最原創的音樂。盡管早期美國藍調也同樣的深入大眾，但真正把人們帶入小酒吧間跳舞的是民謠藍調。是 Lead Belly 和其後的 Sony Terry 和 Brownie McGhee 將民謠藍調的風格延傳下來，而 90 年代的吉它手 Ben Harper 成功地再現了這一風格而又沒被認作為復古分子。
原聲藍調 (Acoustic Blues)
不插電即是原聲。原聲不一定專指原聲吉他。此類藍調指所有非電子樂器演奏的藍調——從吉他、班究（五弦琴）到口琴、發聲鐵罐。各地有各地的曲風——芝加哥、三角洲（Delta）、新奧爾良、德克薩斯、等等；也有各種音樂風格——滑音型、爵士型、指撥型、等等。二十世紀前葉的大師 Big Bill Broonzy, Lead Belly 和 Blind Lemon Jefferson 被認為是原聲的，還有更現代型的 Keb' Mo', Taj Mahal 和 John Lee Hooker。
早期美國藍調 （Early American Blues）
這一范疇包括藍調的最早錄音。從 W.C. Handy 到 Robert Johnson。這種唱片質量通常並不那麼理想，但充滿著深切感情，繞梁三日。
② 有人懂藍調嗎，就是布魯斯，有嗎
藍調（英文：Blues，解作「藍色」，又音譯為布魯斯）是一種基於五聲音階的聲樂和樂器音樂，它的另一個特點是其特殊的和聲。藍調起源於過去美國黑人奴隸的靈魂樂、贊美歌、勞動歌曲、叫喊和聖歌。藍調中使用的「藍調之音」和啟應的演唱方式都顯示了它的西非來源。藍調對後來美國和西方流行音樂有非常大的影響，拉格泰姆、爵士樂、藍草、節奏藍調、搖滾樂、鄉村音樂和普通的流行歌曲，甚至現代的古典音樂中都含有藍調的因素或者是從藍調發展出來的。[1]在詩歌里這個詞常被用來描寫憂郁情緒。藍調一詞是與「藍色魔鬼」（Bluedevils）一致的意思，意思是情緒低調、憂傷、憂郁。早在1798年喬治·科曼就寫過一部名為《藍色魔鬼，一幕滑稽戲》的滑稽戲。19世紀里這個詞被用來表示震顫譫妄和警察。在美國黑人音樂中這個詞的應用可能更老。1912年孟菲斯威廉·克里斯托弗·漢迪的《孟菲斯藍調》是這個詞在音樂中最早的書面紀錄。
藍調音樂始於二十世紀初美國的南部。其中亦混合了在教會中類似朗誦形式的節奏及韻律。
這種音樂有一種很明顯的特式，便是使用類似中國民俗唱山歌的「一呼一應」的形式進行，英文叫作「Call and Reponse」。樂句起初會給人們一種緊張、哭訴，無助的感覺，然後接著的樂句便像是在安慰、舒解受苦的人。就好像受苦的人向上帝哭訴，而其後得到上帝的安慰與響應！
所以藍調音樂很著重自我情感的宣洩和原創性或即興性，這種即興式的演奏方法，後來慢慢地演變為各種不同類形的音樂，如Rock and Roll、Swing、Jazz......所以藍調亦是現代流行音樂的根源。
至於口琴被廣泛用於藍調音樂中是起始於約二十年代中，那時候在美國當地有很多街頭藝人表演音樂，他們常用樂器是五弦琴、鼓、和一種叫「pan quill pipes」的吹奏樂器。而由於吉他和口琴的性能比這些傳統樂器好和更適合於空獷的地方表演，所以漸漸地口琴便常被用作吹奏藍調音樂。
及後三十年代左右，很多黑人移往大城市芝加哥居住，藍調音樂和藍調口琴亦隨之在芝加哥這地開支散葉，及後更自成一派名為Chicago Blues。
在聽藍調音樂的時候，你會發覺它們好像都依著一個相同的曲式來進行。其中原因是因為藍調音樂會常用到一種標准曲式，名為12 Bar Blues。
【 藍調的來源】
由於藍調成形於其個人表演，因此要指出所有藍調的共同特徵很難。但在現代藍調出現以前所有的美國黑人音樂有一定的共同點。最早的藍調式的音樂是一個「功能式的表達，其啟應的歌唱沒有任何伴奏、和諧，不拘束於任何形式，沒有任何特別的音樂結構。」這些從奴隸田野工作時的叫喊和呼喚來源的藍調以前的音樂逐漸擴展為「簡單的、帶有感情內容的單聲歌」。今天的藍調可以看作是基於歐洲的和弦結構和從非洲的啟應傳統上發展為歌唱與吉他的交替演奏的音樂。
許多藍調的元素，比如啟應的形式和使用的藍調之音都可以追蹤到非洲音樂。西爾維安·迪歐弗（Sylviane Diouf）指出一定的特徵——比如使用花音（melisma）和輕的、鼻音聲調——似乎說明藍調與中非和西非音樂的聯系。民族音樂學家格哈特·庫比克（Gerhard Kubik）可能是第一個指出藍調的一定元素來自非洲的人。比如庫比克指出漢迪在他的自傳里所描寫的使用刀刃來彈吉他的密西西比技術在西非和中非文化里非常普遍，當地的類似吉他的二十一弦豎琴（Kora）是最常用的歌唱伴奏弦樂器。這個技術包括吉他手用刀壓吉他的弦，它可能是滑音吉他（Slide guitar）技術的來源。
後來藍調又吸收了黑人音樂中走唱秀（minstrel show）和黑人聖歌（Spiritual），包括其樂器和和弦伴奏。藍調與拉格泰姆的關系也很密切，不過藍調更好地保存了「原始非洲音樂的旋律結構」。[5]早期的歌的結構非常不同。在鉛肚（Leadbelly）和亨利·托馬斯的錄音中可以找到這個時期的歌。但是後來基於主音和聲、次屬音和聲和全桔第五音和聲的藍調形式成為最普及的形式。今天被看作是典型的12節藍調是1900年代初在密西西比河下游的黑人社群中出現的，這個過程既有口述歷史也有樂譜的紀錄。孟菲斯的比爾大街是早期藍調形成的地方之一。
【藍調的歌詞】
早期的藍調往往是鬆散的敘事歌曲，歌唱家訴說他或她在「一個殘酷的現實中的個人遭遇：失愛、警官的殘忍、白人的迫害、艱巨的日月。」[6]與當時的其它音樂紀錄相比許多最早的藍調紀錄中含有堅忍不拔的、真實的歌詞。最極度的例子之一是Memphis Minnie的《深入小巷》，其歌詞描寫一個妓女在 小巷裡與男人做愛的事。這樣的音樂被稱為「吊腸藍調」（"gut-bucket" blues）這個名字來自於一種使用清洗豬的小腸的鐵桶自造的低音樂器，這種食物往往被與貧困和奴隸生活聯繫到一起。吊腸藍調一般描述男人與女人之間的 愛與恨、不幸和艱苦生活。吊腸藍調與一般演奏這樣的音樂的粗暴的酒店給藍調音樂帶來了其不快的名聲。虔誠的基督教徒避免它，一些佈道者甚至將它稱為是 罪惡的。由於它的歌詞一般是關於生活的艱難和不公正，有些人總是將藍調與貧困和壓迫聯想到一起。但藍調的歌詞不只是關於艱苦，有些也非常詼諧和淫穢。
一開始的藍調可能只有一段，重復三次，現在通見的結構——一段，重復一次，然後接著一個單段的結束——是後來發展出來的。
有人認為約魯巴神話在早期藍調中有一定的作用。但是大多數藍調藝術家更主要的是受到基督教的影響。
【音樂形式】
20世紀初藍調的和弦沒有明確的定義，但在1930年代12節藍調成為標准。但是除典型的12節藍調外還有8節藍調形式和16節藍調形式。基本的12節藍調反應了標準的12巴和聲，其節奏為4/4或2/4拍。12節藍調的藍調和弦一般是在12節組合上演奏出來的一組三個不同的和弦：
I I or IV I I
IV IV I I
V IV I I or V
在這里羅馬數字表示的是和諧進行的音階。比如假如演奏的是F大調，則其和弦順序是：
F F or Bb F F
Bb Bb F F
C Bb F F or C
在這個例子中F是和聲，Bb是次屬音。應該注意到的是在大多數情況下和弦是屬七和弦。一般最後一個和弦是和聲進行的下一個和聲的主弦（在這個例子里是C大調）。
歌詞一般在第十小節的最後一拍或者第十一小節的第一拍結束，最後兩小節給樂器演奏家作為過渡，這兩小節的和弦可以非常復雜，有時其和弦無法分析。但是最後一拍幾乎總是基於屬七和弦來提高下一段歌詞的力量。
在旋律上藍調使用大調的降三個、五個和七個半音。12節和聲進行在數世紀內始終被使用，而藍調革命性的改進是在旋律中使用降三、降七，甚至降五，加上同時直接演奏鄰近的音和「撕音」（如同前導音）。一個古典音樂家一般在演奏前導音時一般前導音先出現，而一個藍調歌唱家或口琴家會進行音高調整，一位藍調鋼琴家或吉他家則會同時演奏這兩個音，然後提前放開前導音。藍調和弦也會使用次屬大小調七和弦和主調大小調七和弦來代替主調。偶爾藍調也會使用小調。藍調的小調與傳統的小調差別不大，偶爾會在主調中使用降五，往往歌唱家或者主樂器會同時演奏和弦中的大調五。此外小調藍調一般有16小節，而不是12小節，而且往往受福音宗教音樂的影響。
藍調的搖滾節奏也是它的一個特徵。其使用加強了節奏和啟應的效果。許多戰後的電子藍調和搖滾樂使用這些節奏中比較簡單的。早期的咆勃（Bebop）是一個基本的基於吉他的弦的三個音組成的即興重復段。這個音組配合低音和鼓造成了一種類似行走貝斯的 技術，給藍調帶來了其典型的感覺。一個和聲行進的最後一小節一般轉換向行進的下一個和聲的開始。搖滾節奏在歌唱時往往使用「哆，噠哆，噠哆，噠」或者 「咚，噠咚，噠咚，噠」的聲音來伴唱。在吉他傷它可以使用簡單的、不斷的低音或者逐步四分音地從屬五和弦轉向屬七和弦，然後再回去。下面的圖表記譜是使用E大調的藍調進行的前四個小節的一個例子：
E7 A7 E7 E7
E |-------------------|-------------------|-------------------|-------------------|
B |-------------------|-------------------|-------------------|-------------------|
G |-------------------|-------------------|-------------------|-------------------|
D |-------------------|2--2-4--4-2--2-4--4|-------------------|-------------------|
A |2--2-4--4-2--2-4--4|0--0-0--0-0--0-0--0|2--2-4--4-2--2-4--4|2--2-4--4-2--2-4--4|
E |0--0-0--0-0--0-0--0|-------------------|0--0-0--0-0--0-0--0|0--0-0--0-0--0-0--0|
[編輯本段]【藍調的分類】
現代藍調 (Modern Blues)
跳躍藍調 (Jump Blues)
口琴藍調 (Harmonica Blues）
電子藍調 (Electric Blues)
三角洲藍調 (Delta Blues)
鄉村藍調 (Country Blues)
經典女性藍調 (Classic Female Blues)
綜藝藍調 (Vandeville)
城市藍調 (Urban Blues)
德克薩斯藍調 (Texas Blues)
沼澤藍調 (Swamp Blues)
靈魂藍調 (Soul Blues)
鋼琴藍調 (Piano Blues)
紐約藍調 (NY Blues)
新奧爾良藍調（New Orlean Blues）
孟菲斯藍調 (Memphis Blues)
爵士藍調 (Jazz Blues)
民謠藍調 (Folk Blues)
節奏藍調（R&B）
等等
[編輯本段]現代藍調 (Modern Blues)
現代藍調是一個廣泛的概念，包含所有現代的藍調藝術家們，他們雖然未能見到傳奇的老派藍調藝術大師，但遵循了他們的步履。現代藍調既用原聲吉他，又用電吉他，結合從搖滾到流行到民謠的多種元素。有些藍調純粹主義者或閉門造車的音評人會說現代藍調只是些簡單的模仿者；但他們實際上在尊重過去藝人的基礎上融會了創意、天賦和更現代化的感官。Stevie Ray Vaugan 在生前一直被認為是獨特的藍調復興主義者（1990 年他直升飛機遇難而亡），其後又有 Robert Cray 和 Keb' Mo'。
[編輯本段]跳躍藍調 (Jump Blues)
在搖擺年代，大型樂隊爵士、藍調、福音音樂和「布吉沃吉（Boogie-Woogie）鋼琴」全部結合起來，成為「跳躍藍調」。Cab Calloway 唱新鮮有趣的歌曲時，更強調了旋律。Slim Gaillard 則「說」唱出另人捧腹的超現實主義歌曲（通常是關於食品），而他的樂隊應和著喊叫著。Louis Jordan 也掌握了這種高能量的跳躍藍調，同時 Louis Prima 又結合了 Louis Armstrong 的人聲變化和小號技巧。跳躍藍調的西海岸版很大程度地受比較輕松的 Nat Cole 的爵士三人組影響，用老練的音樂和歌詞代替了強勁的能量。受正規古典音樂培訓過的歌手、鋼琴家 Charles Brown 就是西海岸的最佳代表。跳躍藍調影響了節奏藍調（R&B）和搖滾使成為美國派對的主流音樂，後來又成為 90 年代搖擺復興的主要元素。
[編輯本段]口琴藍調 (Harmonica Blues)
由 Sonny Boy Williamson II, Lazy Lester 和 Jimmy Reed 倡導——然後由 Little Walter 和 Junior Wells 帶入 20 世紀後期——口琴藍調以藍調口琴為核心。Little Walter 在芝加哥發展了該風格的電子版，而 Slim Harpo 在路易斯安那演奏連頸口琴。在以後的幾年中，Paul Butterfield 和 Bob Dylan 把口琴融入到民謠、搖滾和藍調復古。
[編輯本段]電子藍調 (Electric Blues)
只要插了電，就是電子的了。雖然電子藍調以電吉他的使用為標志，它也同樣以電貝司為標志——拾音器（用來放大原聲樂器的一種裝置）被裝到倍大提琴和原聲吉他中。從戰後的悲曲大師 Little Walter 到電吉他人 Smokey Wilson 和 Eddie Kirkland 都是電子藍調傳統的代言人。
[編輯本段]三角洲藍調 (Delta Blues)
三角洲藍調大多用一原聲吉他演奏，是藍調的一種原形。其代表人物包括富有傳奇色彩的Robert Johnson, 芝加哥藍調的締造者 Muddy Waters，口琴師 Sonny Boy Willianson II 和藍調之王 John Lee Hooker。得爾他藍調用充滿熱情的歌詞和人聲，通常獨奏，也有一些小的組合，如 Willianson 的各種組合，也曾有過灌錄。
[編輯本段]經典女性藍調 (Classic Female Blues)
女性在 1920 年開始接觸藍調。有歌手如 Ma Rainey 和 Bessie Smith，她們創作了許多尖銳而又自信的作品。以後的音樂家如 Billie Holiday 則降低了尖銳性，但同樣真實地反映了她們的生活與關系。
[編輯本段]鄉村藍調 (Country Blues)
是一種起源於美國南方和中西部的大部分由原聲吉它演奏的藍調。鄉村藍調利用了從早期的滑音吉它到指撥演奏的獨奏、二重奏和弦樂合奏。先鋒者 Skip James, Brownie McGhee, Lead Belly 和 Lightnin' Hopkins 創導了這種現已不存在的風格。以後的電子吉它使之平穩地轉變成電子和現代的鄉村藍調。
[編輯本段]綜藝藍調 (Vandeville)
在綜藝表演的最初年代，眾多劇院因偏好白人戲而忽略了黑人演出（頗具諷刺意義的是，他們實際上卻常上演一些模仿黑人老套形象的滑稽戲）。因為主流的排斥，黑人藝術家們組成了自己的圈子，在美國為數不多的場所上演專給黑人觀眾看的劇目。這些綜藝表演通常包括滑稽戲、魔術、舞蹈等，但最引人注目的當數藍調歌唱表演——出現了一批如 Ma Rainey 和 Bessie Smith 的歌手。綜藝表演要求表演者超越唱歌地取悅觀眾，於是加入了戲劇和舞蹈的成分，使黑人綜藝表演更深地吸引了觀眾。綜藝表演中的佼佼者 Butterbeans and Susie 因他們的特別的喜劇表演和精湛的藍調二重唱久負盛名。綜藝藍調在 20 世紀 20 年代處於巔峰狀態。
[編輯本段]城市藍調 (Urban Blues)
城市藍調的歌詞充分反映了都市生活。「城市藍調」一詞最初是為了與鄉村藍調區別，到四十年代逐漸形成自己的風格。城市藍調包含了 Louis Jordan 的跳躍藍調到爵士的最新花樣，包括了 Percy Mayfield 和 Ray Charles 的帶有城市化的感覺的低吟。
[編輯本段]德克薩斯藍調 (Texas Blues)
德克薩斯藍調發展於 20 世紀 20 年代，很大程度地從鄉村音樂過度，只是濾去了鼻音。它節奏鬆散，也稱「德克薩斯拖拍」，在拍子後面拖擺一點。歌詞方面，擺脫了「強作愁」的主題。德克薩斯藍調常用傳統的旋律，一把吉他而不是吉他合奏。然而，德克薩斯藍調在二戰後趨向電子化，主要受 Clarence "Gotamonth" Brown 的影響，他們在管樂部分用電吉他獨奏表演。其後，T-Bone Walker 和 Stevie Ray Vanghan 繼續保持了拖拍的節奏和輕松的德州傳統。
[編輯本段]沼澤藍調 (Swamp Blues)
因路易絲安那州的沼澤而得名。沼澤藍調慢悠悠地，用口琴、吉他演奏，出現過偉大的 Slim Harpo。經摻入新奧爾良的節奏與藍調的韻律、加上回聲和延遲的電吉他效果，沼澤藍調可悠揚如 Lonesome Sundown 和 Lightnin' Slim，活潑如 Lazy Lester 的口琴。
[編輯本段]靈魂藍調 (Soul Blues)
一種傳統藍調和 60 年代靈魂音樂的快速旋律的熔合物，靈魂藍調是涵蓋兩種傳統的藝人。以標準的藍調樂隊為基礎——鋼琴、吉它、貝斯、口琴和打擊樂——有時加入節奏藍調曲調的管樂，靈魂藍調的音樂家們延伸了傳統的界線，又保持了靈魂樂的根基。Etta James, Bobby "Blues" Bland 和 Jonnie Taylor 都曾是靈魂藍調的佼佼者。
[編輯本段]鋼琴藍調 (Piano Blues)
各種時期的爵士型、藍調型音樂、即興的演奏，只要是用鋼琴演奏的藍調，那就是鋼琴藍調。鋼琴藍調的范疇包括從 Count Basie 和 Rossevelt Sykes 到 Ray Charles, Dr. John 甚至是福音音樂的祖師 Thomas A. Dorsey。
[編輯本段]紐約藍調 (NY Blues)
成熟的紐約藍調吸收了跳躍藍調、搖擺、Bebop 和早期的節奏藍調中的精髓。它在 40 年代搖擺時期綻開，當時 Lionel Hampton 的大型樂隊用上了藍調歌手和強烈的節奏。 正當吶喊的 Big Joe Turner 影響了搖滾樂，Erskine Hawkins 和 Eddie 「Cleanhead」Vinson 把大眾的藍調和受高度尊敬的搖擺爵士聯繫到一起。
[編輯本段]新奧爾良藍調（New Orlean Blues）
顧名思義即知，藍調決不是笑嘻嘻地找一番樂子（英語「藍調」blues有憂傷的含義）。但於此——並非絕無僅有——新奧爾良藍調稍稍有別。它帶有加勒比韻律（尤其是倫巴）和一些美國南方音樂色彩，只在派對聚會上才有用武之地。此類別可輕松休閑，也可捶胸跺腳地豪放，有Fats Domino 和 Professor Longhair 等出色藝人，用了號和即興發揮的鋼琴伴奏。
[編輯本段]孟菲斯藍調 (Memphis Blues)
當 W.C. Handy 寫「Memphis Blues（孟菲斯藍調）」時，他根本沒有想到這個詞的深遠影響。孟菲斯藍調的兩大派系中的前一種是在 20 世紀 20 年代的 Beale Street 初生，從眾多「陶瓶樂隊（jug band）」和綜藝表演衍生而出，Memphis Jug Band 的弦樂風格和 Memphis Minnie 和 Frank Stokes 的粗獷而又時常滑稽的風格而備受歡迎。這種孟菲斯藍調的早期形式發明了一種演奏方法：主音吉他在一曲中有一「段」特殊演奏——這種方法至今已成為標准方法了。後一種孟菲斯藍調是在 50 年代前期開始的一種電子風格，是更響亮而又激進的藍調。樂手們採用了擴大的、失真的吉他和較重的鼓聲，對今天的大多數藍調藝人有更直接的影響。
[編輯本段]爵士藍調 (Jazz Blues)
爵士藍調有著堅實的藍調根基，但又吸收了富變化而又稍快的爵士音樂。這類音樂家們通常把爵士樂的即興演奏特點摻進了經典的藍調音樂三和弦結構。爵士藍調包括從鋼琴師 Mose Allison 以爵士為主的作品，到吉它手 Lonnie Johnson 的扎實的藍調，還有 Ray Charles 的激情盪漾而又博採百風的鋼琴藍調。
[編輯本段]民謠藍調 (Folk Blues)
民謠藍調可追溯至 19 與 20 世紀交界的小酒吧音樂和晚間小慶典的原聲風格。它產生於南方從德克薩斯到三角洲的影響，被許多人認為是美國最原創的音樂。盡管早期美國藍調也同樣的深入大眾，但真正把人們帶入小酒吧間跳舞的是民謠藍調。是 Lead Belly 和其後的 Sony Terry 和 Brownie McGhee 將民謠藍調的風格延傳下來，而 90 年代的吉它手 Ben Harper 成功地再現了這一風格而又沒被認作為復古分子。
[編輯本段]原聲藍調 (Acoustic Blues)
不插電即是原聲。原聲不一定專指原聲吉他。此類藍調指所有非電子樂器演奏的藍調——從吉他、班究（五弦琴）到口琴、發聲鐵罐。各地有各地的曲風——芝加哥、三角洲（Delta）、新奧爾良、德克薩斯、等等；也有各種音樂風格——滑音型、爵士型、指撥型、等等。二十世紀前葉的大師 Big Bill Broonzy, Lead Belly 和 Blind Lemon Jefferson 被認為是原聲的，還有更現代型的 Keb' Mo', Taj Mahal 和 John Lee Hooker。
[編輯本段]早期美國藍調 （Early American Blues）
這一范疇包括藍調的最早錄音。從 W.C. Handy 到 Robert Johnson。這種唱片質量通常並不那麼理想，但充滿著深切感情，繞梁三日。
我的全些`http://ke..com/view/1431.html?wtp=tt藍調網站
③ jazz是什麼東東
Jazz即爵士樂，爵士音樂淵源於非洲黑人音樂。早期的爵士音樂採用的是黑人作曲家所創造的、反映黑人獨特性格的一種熱情的輕音樂風格。它的表現形式是所謂拉格泰姆歌曲。
後來又採用了根據一個流浪的黑人歌手自彈自唱的憂傷哀怨的歌曲，形成所謂布魯斯曲調。
爵士的起源(1)：Ragtime Blues與已有形式融合
很難確定爵士樂是如何起源的，因為我們找不到任何有關爵士樂形成之前美國黑人音樂發展狀況的錄音資料；流傳下來的一些不同風格的樂譜(指爵士樂出現之前的音樂)也不足於研究需要，它們還鮮有那種衍生出現代爵士樂的基本特徵(即興，音色、音高與時值上的微妙變化)。一些熱衷於報道爵士音樂的專欄作者與觀察者，通常本身並非是受過專門訓練的音樂研究者。當我們想從他們的報道中了解些專業的知識時經常會陷入困窘之中，因為訪談中記錄下的對話通常很少涉及實質性的問題(從早期爵士樂手演奏角度提問的)。采訪者幾乎不會問及這些早期音樂家有關音樂方面的關鍵性問題，而把采訪角度傾向於個人經歷與社會話題上。即使采訪者問及探索音樂方面的問題，被采訪者的如實回答也比不上一段真實的音樂資料來得准確與有價值。爵士樂的起源問題始終籠罩著一層迷霧，然而，接下來我們還是嘗試著整合一下從各個角度對這個問題的研究成果。當你閱讀時，始終要記著爵士樂並不是完全這樣起源的，即使這些觀點看上去多麼得合理與符合邏輯。
爵士樂源自於二十世紀初期新奧爾良一帶民間音樂、流行音樂、古典音樂的融合。它至少是由兩股潮流演變發展而來，一是美國黑人在音樂上的創造性的貢獻－Ragtime和Blues，這在後面我們會談到；其二是一些已有的音樂形式(當時的流行音樂、進行曲、四對舞曲quadrilles等等)表演上往兩個特殊方面的不斷探索。一種是強調色彩化地變換音高，這種音高變換在正統的歐洲音樂中會被視為離調、走音，但在爵士樂中卻很常見不被看作為是出錯或非正規的演奏技巧；另一種是強調音色的粗曠與變化。這兩種以外還有一種特殊的演奏方式被稱為Ragging，Ragging是指為了選擇音符切進或強調重音而搶拍、拖拍的手法，它把本不切分的音型進行切分處理來造成Ragging的效果。這使得音符與音符以一種含糊不清的方式來連接，而重音則起到一種推動音符和使之生動化的作用，最終導致我們現在視作為爵士樂的特殊節奏效果的形成，也是爵士搖擺感的構成基礎之一。但是一般的學者在這一點上不全這么認為，他們中大多數把爵士樂的搖擺感看作是非洲或美國黑人的一大貢獻。
音樂研究者認為這種音高與音色上的演進對爵士管樂演奏者來講並不是直接來自於對非洲黑人演唱的模仿，相反它來自於對更為寬的區域范圍、更具想像力的聲音(黑人的田間號子、做工歌、街頭小販的叫賣聲、布魯斯等)的模仿。這些素材被Minstrel Show(十九世紀起源於美國的一種由白人扮演黑人進行表演、演唱黑人歌曲的演出)使用時始終具有幽默與敘事效果。舉個例子，在Original Dixieland Jazz Band1917年的錄音「Livery Stable Blues」中可以聽到模仿美國傳統谷倉舞的音樂。這種不斷發掘樂器演奏的各種聲響的傾向可能部分來自於非洲音樂的傳統，但我們必須記得相似的這種傳統還存在於同時代新奧爾良不同種族的人群中。舉個例子，與爵士樂同時期在新奧爾良出現的美洲盎格魯薩克森和愛爾蘭蘇格蘭音樂也有那種隨意變化音高的傳統，也傾向於產生那種我們稱之為的藍調音。換句話說，這種演奏傾向也不是美國黑人音樂傳統必然和獨有的一種體現。(無論我們試圖區分何種音樂，都必須牢記由許多音樂融合形成的爵士樂除了通常為人們所津津樂道特點外，與其他音樂更有著很多的共同特徵。舉個例子，早期的爵士樂的節奏同樣可以在古典音樂和衍生於歐洲的流行歌曲中聽到，不僅僅存在於非洲和美國黑人民間音樂之中。
不過，爵士樂在音樂特徵上與非洲音樂確有好多共同之處，從起源至今，不同風格流派的爵士樂時期，有著非洲血統的黑人音樂家在數量上要超過白人音樂家。如果要了解這種現象背後的必然性的話，我們有必要去關注一下歷史和爵士樂發展成形的環境。早期的爵士樂並沒有機會來與非洲音樂直接接觸吸收那些非洲音樂的特徵，它是通過二手間接的渠道來獲取的(當時美洲新大陸的一些其他類型音樂通過與非洲音樂的接觸吸納了一些非洲音樂特徵)。要理解為什麼會如此，就要曉得一下非洲黑奴是何時被販賣到美國來的，他們不允許攜帶樂器，原先同一村莊與家族的人都被打亂分開安置在一起，使得一群奴隸之間都沒有共同的可以使用的語言。然而，他們對音樂的熱愛與一些傳統還是保存了下來，依靠著共同的傳統與對音樂的熱愛，這些奴隸與其後代們不斷地篡改像教堂贊美詩、民謠、舞曲等歐洲音樂。這也就是通常黑人音樂家演奏一些歐洲音樂時總是聽上去有些怪怪的原因。
爵士的起源(2)：從新奧爾良的黑人音樂到Blues
新奧爾良長期以來一直有著獨一無二的文化傳統。從十八世紀晚期到十九世紀早期，新奧爾良大部分都被法國人佔領居住著，他們始終保持著對藝術的高度關注，比這個國家其他地域的居住者更熱衷於從音樂和舞蹈中獲取樂趣。因此，十九世紀時新奧爾良是全美國擁有各種音樂團體最多的城市。總而言之，新奧爾良地區有著「尋歡作樂」的傳統。
新奧爾良是各種音樂活動的中心，充斥著各種不同風格的音樂。你可以聽到歌劇，也能看到水手們歡快的號笛舞表演；歐洲的小步舞和四對舞與非洲的巫術儀式音樂居然在這城市中「和平共處」著；Patrick Gilmore和John Philip Sousa的銅管樂隊音樂十分受大家歡迎，另外你還能聽到勞工的做工曲和街頭小販們音樂般的叫賣聲。
另外一個使新奧爾良成為爵士樂發源的理想環境的重要因素是它吸引著大量剛被解放獲得自由的南方黑奴，這個城市以其眾多的工作機遇、豐富的社會活動和多樣化的生活方式充滿了巨大的誘惑力。隨著1809年大量Haitian Creoles(克里奧耳)人湧入這個早已人滿為患的城市，新奧爾良成為北美黑人文化的中心(同時各種各樣的音樂也被融入其間)。
新奧爾良之所以成為經濟的中心是由於它靠近密西西比河河口，密西西比航線是當時美洲和加勒比海之間的一條繁忙的水上貿易線路。作為一個迎接著世界各地的旅行者歇腳的海港，新奧爾良保持著它的狂歡的氣氛，而且還有著當時美國最大最有名的紅燈區。(音樂家們經常談到的這個紅燈區後來以「Storyville」而聞名，這個名字來自於當時的一位名叫Story的市政高官，是他1897年提出在這個城市的一角規劃出一個區域以便合法地開展色情行業。由於Storyville在Jazz樂史上的影響，一些唱片公司、書籍出版商和夜總紛紛冠以這個名稱。)正是這里提到的新奧爾良的歌舞、色情、販私酒等行業為音樂家們提供了大量的就業機會。了解這些相關背景對理解爵士樂的起源是很有幫助的，接下來我們將提到教堂音樂，看它是如何將歐洲殖民者以及非洲奴隸的音樂傳統融合起來的，
在17世紀中期之前新奧爾良地區白種人和黑種人之間的通婚促進了歐洲與非洲傳統的融合。這些通婚後繁衍下來的子孫後代，由於先人部分是非洲血統，部分是法國血統，被稱作為「Creoles of Color」，或者就簡稱為「Creoles(克里奧耳人)」。然而，在新奧爾良居住的兩股同為非洲後裔的居民卻有著顯著的區分。Creoles不再被稱作為是「Negro」，但這個稱謂還用於那些沒有和只有很少白人血統的黑人。Creoles大都是受過良好的教育的成功人士，諸如商人、醫生、地主或手工藝人。他們說法語，很多人都有奴隸，而且也要求他的奴隸也講法語。出生於Creoles家庭的小孩大都受過程度比較高的音樂訓練，有些甚至遠赴巴黎的音樂學校學習。許多Creoles都住在新奧爾良現今被叫作法國街區的城中心地帶，黑人則在臨近的有色人種雜居地區生活著，大多是遠離鬧市的一些地方，他們基本上做傭人或沒技術的苦力工。Creoles完全是繼承了歐洲音樂的傳統，與此相反的是黑人們的音樂還是保留著非洲音樂的某些特徵。盡管許多遠離鬧市區的音樂家也接受了一些音樂訓練，但整體來講他們的音樂要比Creoles的粗糙一些。在他們的音樂中已經出現了一些即興的成分，然而這種特徵還遠未達到成熟的程度。總的來講，許多歐洲音樂的傳統被Creoles音樂保留吸收了下來，黑人音樂也維持著非洲祖先的一些傳統音樂特徵。
住在新奧爾良下城區的黑人演唱包括黑人宗教音樂(歐洲教堂音樂和非洲唱腔的一種中和)以及做工歌(用來舒緩體力勞動的艱辛)兩種形式。另一種常見的黑人演唱是街頭小販的叫賣聲，這種演唱在音色和音高上的諸多變化非常有感染力。上述的三種黑人音樂融會貫通逐漸形成一種沒有伴奏的表演唱，後來發展成使用吉他和班卓琴來伴奏。起先無論演奏者使用何種方式來為演唱伴奏，他們使用的和聲都是附帶著旋律線的(與後來發展為爵士樂伴奏體系的傳統歐洲音樂的旋律和聲關系正好相反，歐洲音樂傳統中和聲對旋律音的選擇是限制的)。在早期美國黑人的演唱中伴奏和聲是很簡單的，有時候整首歌的伴奏只用到兩三個和弦。歌詞與旋律也非常簡單，而且在句與句、段落反復中間還有著很長的停頓。這種早先的音樂形式我們現在稱作為Blues(可以找一下早期Blues大師Robert Johnson、Son House、Charley Parton等的作品)。
爵士的起源(3)：爵士樂會出現於世紀之交的原因
至少有三個方面的因素可以用來解釋爵士樂起源時間的問題。第一個因素是二十世紀初期新奧爾良音樂活動異常活躍。這是個多產的時期，因為對音樂家或樂隊來講有很多的工作機會，同時也有很多機會使得大量的表演和曲目相互融合。第二個因素是多年來路易斯安娜州的社會和法制環境的不斷變化導致Creoles的社會地位逐漸向黑人靠攏。在十九世紀與二十世紀之間這段時期，純種的血統和混血之間的區分不存在了。只要有任何意義上的黑人血緣關系的公民就都被納入同一類別的人種。Creoles被迫放棄十八世紀期間所擁有的社會地位，改而接受黑人同樣的生活處境。盡管Creoles對此所不滿，但爵士樂卻成了最大的受益者，因為這種社會地位的調整使得歐洲音樂傳統(Creoles人所代表的)和非洲音樂傳統(黑人所代表的)更為便利地融合。
第三個因素是Ragtime音樂的流行。這種音樂風格對當時新奧爾良流行音樂的節奏特徵起了重要的影響。Ragtime是一個多世紀以來歐洲和非洲音樂傳統融合趨勢集大成的一種音樂形式。盡管音樂學家在這一點上有分歧，因為通常都認為黑人演唱技巧影響了爵士樂隊中樂器的演奏(使得音色更傷感)，Ragtime影響了爵士樂的節奏風格(帶來了切分節拍)。
在思考為什麼爵士樂會出現於世紀之交的問題時，我們的頭腦中必須有幾個大體的概念。盡管「種族身份的無意識自我認知」是可以通過基因遺傳的，但是我們不能說不同民族的人對音樂的喜好也是會遺傳的。人的偏好是後天習得的，並不是遺傳來的。所以一廂情願的認為黑人演奏的音樂聽上去都是非洲味的，這種觀點顯然是不理智的。即使許多黑人奴隸對那些通過模仿和言傳身教一代代傳承下來的非洲音樂技巧很有偏好，對那些在他們到達美洲大陸前就以存在的歐洲音樂，他們也是樂於接受的。實際上，在十九世紀中期，好多很有造詣的歐洲音樂風格的演奏家都有著黑人家庭背景。並且在新奧爾良一些黑人和Creoles的音樂家同樣會演奏馬祖卡、華爾茲、波爾卡、四對舞曲。事實上這些新奧爾良有著非洲血統的音樂家與這些演奏的音樂毫無瓜葛。正由於新奧爾良為音樂家提供了大量的就業機會以及豐富的文化融合，使得所有的音樂家都有機會聽到各自不同的音樂，這些大量現成的音樂素材的存在與追求演奏風格多樣性的沖動最終在某天鍛造出了一種全新的音樂形式－JAZZ。
爵士樂的形式
爵士樂總是被視為小眾音樂。縱使是在三零年搖擺樂（Swing）開始 的年代，就算是極有創意的一些爵士樂手以及他們的作品，也只有少數 的人知道而已。但到了現在，對於爵士樂抱持積極的關心卻意味著這是 一門大眾化的工作。因為在現在這年代中一些最受歡迎的音樂都不可避 免地受到了爵士樂的影響：連續劇里的音樂、收音機里的Top40、大酒 店裡的大廳、電梯....而我們所熟知的音樂形式從搖滾、放克（funk） 、hip-hop....這些音樂都來自於爵士樂。
要提出的是一種特殊的方法，目的在於討論不同的爵士樂的范疇以及 內容。當研讀了早期的爵士樂形式的著作，從早期的Ragtime、New Orleans、 一直到現在的Cool Jazz、Asid Jazz我們會發現雖然他們都被冠以爵士樂 的名稱，但是他們的節奏、韻律、表演形式都有著明顯的不同。這一點只 要稍微聽一聽各個流派一些代表性的作品就可以很快的發現出來。有哪一 種音樂形式可以像爵士樂一樣，在短短五十年的發展中就可以出現這么多 互相關連但又大異其趣的流派？ 對於爵士樂的潮流以及主流趨勢抱持警覺的態度是很重要的。尤其當 爵士樂的樂評或樂手在從事關於爵士樂形式的討論時幾乎不曾使用"主流" 這樣的字眼--有一個有趣的例子，第一個被冠為"主流"的爵士樂是搖擺爵 士（Swing Jazz），然後就是當代的爵士樂、以及跟隨而來所謂"第三波" （thrid stream）。但是又有另一股強大的主流跟隨著紐奧爾良（New Orleans） 以降發展，那就是bebop的出現，以及其後出現的free fazz，這股風潮 甚至在爵士樂史上產生一股不可避免的發展。可是也許這股從紐奧爾良興 起的風潮可以括起一陣旋風。但是我們還是不能說一種爵士樂的形式取代 了另外一種。只能說每一種形式都繼承了若干以往的形式。
許多偉大的爵士樂手他們的音樂以及演奏形式都跟他們在某段時間中 他們在某地的生活型態有密切的關系。像是Dixieland的音樂就反映了第一 次世界大戰間，也就是二零年代，芝加哥都市中的那種屬於二零年代的、 無休止的轟鬧生活。搖擺樂則是具體呈現了戰間期崇尚"大"的生活型態。 也許像Marshall Stearns所說的，搖擺樂反映的是美國人--甚至是那時全 世界對於"大"的愛好（love of bigness）。Bebop則捕捉到了四零年代的 那種無休止的緊張。
Cool Jazz則聽起就像是想要反映活在原子彈陰影下的 人們的那種絕望與順從。到了Hard Jazz，則成了對現實充滿了抗議的音樂形 式。但是等再進入了Funk 以及混合了靈魂樂（Soul Music）的爵士樂階段， 音樂的形式又表現為順從的形式（但是就我的印象，靈魂樂的前身是黑人的 福音詩歌--也就是Gospel。這種音樂其實根本是為了反映在十九世紀乃至二 十世紀黑人人權慘遭踐踏的悲慘生活。所以音樂中不斷出現的Jesus、Lord、 Heaven根本是黑人隱喻對於自由生活的嚮往。基本上是一種充滿無奈的、控 訴的音樂形式。怎麼會是順從的音樂呢：大概是我的翻譯有問題....） 許多爵士樂手都以懷疑論(skepticism)的態度致力於重新建構以前的 爵士樂的音樂形式。因為對他們而言，如果因循以前的音樂形式是一件違 反爵士樂音樂本質的事情。而爵士樂的基礎就是立基於活生生的(alive) 人事物。以下的例子可以為這段爵士樂的風格當作見證：當Count Basie's (一個黑人的爵士團)在50年代大紅大紫後，有人找來了Basie以前的主唱 Lester Young，請他和他以前的老夥伴一起翻唱Basie在30年代的老歌。但 是被他一口拒絕：「我做不到。我已經沒辦法再用以前的那種樣子唱了，我 的表演方式已經跟那時不一樣了。現在是現在，以前是以前，而我們一直 在改變。」 而這種特色一直在當代的爵士樂中被保留。
＊一點小小的感想
談了這么多，其實我心中的爵士樂一直是一種可以和當代社會中的時代 精神相契合的音樂形式。二、三零年代那種崇尚大的、巨觀的大樂團式的爵 士樂演奏，還有到了五零年代jam式的自由即性(那真是我見過最民主自由的 音樂演奏形式：鼓手、sax手、大提琴手、鋼琴手....都可以有一段solo， 不像搖滾樂純粹是為了塑造主唱和吉他手的英雄形象) 與當時社會中的蓬勃 興起的民權運動。每個階段的爵士樂都可以看出當時社會的縮影。當然了， 這只是我粗淺的觀察與心得。
以上是1992年一本"The Jazz Book--From Ragtime to Fusion and Beyond"的節譯
爵士年代之一--吉普賽吉他手強哥
一九四六年，二次大戰方歇。歐洲知名的吉普賽吉他手強哥˙瑞恩豪（Django Rei nhardt）開展新的人生規劃。一月初他錄了"法國迴音"（Echoes of France），以搖 擺樂的節拍解構法國國歌，這項歪讀國歌的創舉，比美國搖滾樂手Jimi Hendrix早 了二十三年。強哥當時雖然身體微恙，春天時喉嚨動了個小手術，但完全無損於他 旺盛的創作力。他不但開始學習作畫，更積極籌組美國的巡迴表演。
少年時在跳蚤市場買了一張美國小號手路易˙阿姆斯特朗的"達拉斯藍調"七十八轉唱 片，從此開啟強哥的爵士樂世界。這位終其一生住在吉普賽篷車的傳奇樂手，即使 在巴黎熱爵士樂的全盛時期日進斗金，也永遠是一雙破鞋，襯衫袖口凈是補洞的痕 跡。他有著吉普賽人的濃眉大眼，前額微禿，頭發梳得極為油亮，斜叼香煙，快速 而靈活地彈奏著輕快的音符。
二次戰後百廢待舉，音樂界亦然。勤於創作的爵士樂手或許已經隱然察覺到，此時 應當收割搖擺樂全盛時期的瑰寶，將之醞釀，轉化，使未來的新音樂能被推向高峰。 然而，新音樂是什麼？該往哪裡走？誰是旗手？答案在大西洋的哪一岸？
沒有人知道確切的答案，但是強哥在來年展開美國之旅。他抵達紐約，在曼哈頓島 的上城知名的酒館Cafe Society客串演出。他同時也在卡內基廳公演，但不知為何， 這份珍貴的錄音卻沒能流傳下來，誠為樂壇憾事。
事實上，強哥的美國之旅並沒有激起太多漣漪，樂評界的反應相當冷淡。有一說法 是強哥使用了他不熟悉的插電吉他，在演奏上顯得左支右絀，另一種說法是他在演 出時竟然遲到，讓殷殷期待的樂迷印象大壞。我的解釋是，這些說法只能算片面之 詞。除了個人因素與演出場地限制外，真正的理由是強哥與所有搖擺樂時代知名的 樂手一樣，對於咆勃以降的現代爵士樂有著亦迎還拒的躊躇。倘若強哥可以擺脫搖 擺吉他之王的身段，勇敢地擁抱新音樂，或許會讓當時的樂評人不以為然，甚至蒙 上不倫不類的惡評陰影，但更有可能的是，以強哥當時對咆勃樂的強烈好奇與創作 企圖（例如他晚期所譜的曲子"Mike"），他絕對有能力成功地蛻變成現代爵士樂的 吉他旗手。
這位集歐洲庶民音樂大成的演奏天才，最後還是選擇在搖擺年代的尾聲中成就一生 的貢獻。他成功地模仿並繼承了路易˙阿姆斯特朗的才華，將平庸無奇的錫盤巷番石榴 曲轉化成生鮮活潑的爵士樂標准曲，他充滿趣味，靈活，偶爾華麗的吉他演奏，歷 經Ultraphone, Decca的初試啼聲與爆發力，到Gramophone與HMV的成熟期，完整地 記錄了個人與其它樂手的非凡成就。這位精力充沛，自由不羈的吉他手，於一九五 三年在楓丹白露去世，劃下生命的句點。
爵士年代之二--法國熱樂五重奏
要讓兩位傑出的獨奏樂手同時並存於五重奏且大放異彩並非易事。然而在爵士樂史 上，類似的明星五重奏確實在不同的時間點開拓全新的風格，從Armstrong/Hines, P arker/Gillespie, Davis/Coltrane, Henderson/Shaw到歐洲的Reinhardt/Grappelli的組合，在 在說明個中好手對飆的驚人爆發力，與激發創作力無限潛能。
吉他手強哥與小提琴手史帝方˙葛拉培理（Stephane Grappelli）所領導的法國熱樂 五重奏（Quintet of the Hot Club of France），融合了熱爵士與流行音樂，是當時 巴黎搖擺樂的地標，廣受花都樂迷的喜愛。即使是多年以後，法國熱樂五重奏留下 來的七十八轉唱片錄音仍然是歐，美，日古董唱片的搶手貨。
從三六年成軍到四八年解散，法國熱樂五重奏歷經二次大戰洗禮，也曾屢屢被佔領 的德軍要求到柏林演出，但幸運的是，由於強哥的吉他演奏精湛，藝術成就驚人， 身為吉普賽人的他在希特勒的種族屠殺中不但倖免於難，也成功地婉拒了去"敵方" 領土表演，更在戰事吃緊的巴黎，厲行食物配給政策的蕭條景況中，保持夜夜笙歌 的戰前俱樂部盛況。
法國熱樂五重奏的編制是這樣的：兩把負責節奏的吉他（其中一位的樂手是強哥的 弟弟約瑟夫），一把低音貝斯，旋律吉他手是強哥，而小提琴手為葛拉培理。如同 所有的歐洲爵士樂手，法國熱樂五重奏所面臨的首要挑戰是如何開拓與美國爵士樂 不同的風格。
強哥成長於巴黎下里巴人集結的重鎮，也就是號稱"The Zone"的巴斯底紅燈區。 這個鬧區令人想起美國紐奧良禁娼之前的軼聞里（storyville）盛況，色情業的鼎盛 提供樂手無數的就業機會，也培植了許多有能耐的樂手。"The Zone"到處都可以 聽到拿破崙時代流傳下來的華爾茲，馬祖卡等舞曲，班喬琴，手風琴與小提琴是主 要的演奏樂器，混和著上流社會的古典樂與民俗舞曲的"Musette，"在強哥成長 的二十世紀初，正以雷霆萬鈞之勢橫掃巴黎。
半生居住於篷車的強哥，童年時就是班喬琴與小提琴演奏的高手，很年輕的時候就 在各大酒館演出謀生。十八歲時，篷車發生大火，強哥左半邊的身體嚴重灼傷，左 手差點殘廢，只留下三根完好的手指可按琴弦，強哥因此放棄小提琴，專心於吉他 彈奏。
法國熱樂五重奏的另一明星樂手是前幾年甫以高齡去世的小提琴手葛拉培理 ，他的音樂啟蒙來自於擔任哲學教授的父親，葛拉培理不但擅長拉琴，對於鋼琴彈 奏也相當精通，這個在巴黎土生土長的法義混血，少年時就在默片戲院演奏音樂。 相對於強哥嚮往自由，樂觀，大膽與冒進的個性，葛拉培理謹慎到近乎吝嗇，他從 不冒險，有強烈的精神潔癖。他的生活強調的是精緻，絕對的美感與井然有序，事 實上，從法國熱樂五重奏的錄音就可以聽出兩人的演奏風格雖然相得益彰，但對於 音樂的體悟與樂句的陳述（phrasing）方式是萬萬不同的。
強哥與葛拉培理互相搭配的法國熱樂五重奏，不但創造了鼎盛的巴黎俱樂部風光， 更成功地轉化Mustte，讓這種強烈混血性格的音樂蛻變為爵士搖擺樂，確立法國爵 士樂風格，短短五年間（一九三四--一九三九），在歐洲法西斯主義陰影籠罩與美 國經濟由盛轉衰的危機中，歐洲爵士樂站起來了。
爵士年代之三--失落的一代
"所有投入我腦海中的故事裡都有一種災難的觸感"--美國作家費茲傑羅
關於爵士樂的光榮事跡都在二零年代萌芽，在三零年代開花結果。作曲家喬治˙蓋 西文（George Gershwin）與保羅˙懷德門（Paul Whiteman）在一九二四年合作"藍 色狂想曲"，這是古典樂作曲家首次將爵士樂交響樂化。經歷了與多位知名樂手如 Kid Ory，King Oliver和Fletcher Henderson的合作關系，小號手路易˙阿姆斯特朗於一 九二五年從紐約返回芝加哥，成立自己的五重奏，這個樂團爾後加入低音號與鼓， 成為著名的熱樂七重奏（The Hot Seven）。
有闊嘴渾號的阿姆斯特朗，放棄了傳統的軍樂器短式小號（cornet），改采聲音更為 清亮的小喇叭（trumpet）。阿姆斯特朗的獨特喜感和娛樂氣氛十足的表演，從來沒 有遮掩他驚人的即興獨奏才華。拜他之賜，原本被視為不登大雅之堂的爵士樂，可 以從妓院的余興轉化為美國特有的藝術成就。三零年代初，阿姆斯特朗旅居歐洲十幾 個月，為歐洲樂壇投下一顆炸彈，引起不小的震撼。
三零年代的巴黎群集了美國爵士樂圈的佼佼者。薩克斯風手班尼˙卡特（Benny Ca rter）在歐洲待了三年，科曼˙霍金斯（Coleman Hawkins）待了四年，如果不是法 西斯主義崛起，黑人樂手警覺到政治情勢丕變，種族關系日趨緊張而紛紛返鄉，巴 黎的樂壇盛況只會更加地驚人。
二零與三零年代也是美國作家旅居歐洲的重要年代，部分知名的美國作家在巴黎完 成個人重要的作品。曾經擔任多倫多星報記者，寫作風格極為簡朴且徹底抑制情感 的海明威，在巴黎待了五年。他對於戰爭有著雙面刃般的矛盾，一方面充分體認到 戰爭的戕害，另一方面又迷戀爭戰所帶來的血腥與殺戮。海明威鼓吹飲酒，做愛， 鬥牛，全然地虛無與游盪，他被封為失落的一代（The lost generation）的代表。而 巴黎這個繁華，開放且鼓勵多元文化融合的都市，為這些去國者（expatriates）提 供創作的溫床。
在巴黎避居三年的費茲傑羅，曾親眼目睹美國資本主義高度擴張年代，寫下"大亨 小傳"。早在二零年代初期，他就曾經寫下短篇小說"爵士年代傳奇"（Tales of the J azz Age）。這些走在時代腳步前面的美國作家，一方面觀察美國秉持清教徒的禁 欲與牛仔的拓荒精神高度發展經濟，創造繁榮進步的美好憧憬，另一方面看到上流 階級極端奢華所帶來的物質腐化，人們為錢出賣自己的靈魂，繁華的二零年代，竟 是建築在無數小民的苦痛上。
看透二零年代的美國歌舞昇平，這些藝文創作者隱然意識到假象即將崩解，在美國 文化無法滿足自我追尋的前提下，他們勢必要遁走他鄉，為自己的困境尋找答案， 並試圖肯定存在的價值。選擇出走似乎已經變成不得不然的結果。身為移民社會的 一份子，這些失落的去國者選擇歐洲作為文化認同再定位的場域。
然而，也許從來就沒有藝術家的樂園，也沒有救贖者，繁華的花都角落到處都是營
④ 什麼是藍調音樂
什麼是藍調呢? 簡單來說,當一首歌以 1111-4411-5411 這種所謂的12小節藍調進行作曲,並以藍調音階或五聲音階中的音符做旋律,就可稱做藍調當然除了12 小節進行,還另外有8,16小節的藍調進行,同樣,也有很多人會使用藍調音階外的音做代理.看不懂的也沒關系,只要記得所謂的藍調,必須有固定的作曲模式,而且能使用的音也只限於幾個音符合這兩個條件的,就可稱做藍調
所以廣義的藍調認定一句話:以藍調音階內的音依照藍調進行做的曲子:p (我覺得這句話講了跟沒講一樣.ccc)
C.狹義的爵士: 狹義的爵士定義,很簡單只要你能被歸類入任何一種爵士樂派,你就符合爵士樂的狹義定義了當然自創一派不是不可以,但是前提是別人要接受你就像連 Fusion 有些人都不把他當爵士呢:p 至於爵士樂派有哪些,請參閱精華區
D.狹義的藍調: 狹義的藍調,跟狹義的爵士一樣簡單只要你能被歸類到任何一種藍調樂派中,你就是狹義的藍調了 藍調樂派有哪些呢?
1. Delta Blues : 密西西比三角洲藍調 所謂的街頭藍調,這時期的藍調以空心吉他和口琴為主要樂器 以國內來看,有點像是地下道的老太婆手上拿著胡琴談著凄涼的曲調 國外就是一個老黑人拿著吉他坐在路邊:p
Delta Blues 的大師如 Robert Johnson,對於後來的藍調發展的影響力 是非常大的
2.TexasBlues : 德州藍調 德州藍調又分兩派,一派為country blues,另一派則比較rock 一點 country blues等會在介紹 一般所謂的德州藍調就是很搖滾的藍調,如Eric Captain,Bonnie Raitt T-Bone Walker 等等..
很多早期的Rock Music 都是 Blues
3.ChicagoBlues : 芝加哥藍調,與Delta Blues 的草根味,Texas Blues 的火爆味比起來 Chicago Blues是屬於舞台上的 Blues 與其他藍調樂派比較起來,Chicago Blues 顯得多樣化了點 當然這跟芝加哥的音樂非常興盛有關這樣想想就知道分別了elta Blues 是一個哀傷的老人在路邊拿把吉他 想到什麼辛酸就唱什麼 Texas Blues是個小夥子在舞台上大吼大叫,釋放 青春期的叛逆 Chicago Blues 則是一個藝人做好一首曲子,然後 做作廣告,宣傳,或者到 pub表演 其實是跟new orlean jazz 很像的立場
Chicago Blues 的大師如 B.B.King 號稱藍調之王,夠強吧
4.CountryBlues: 鄉村藍調 音樂結合鄉村音樂的節奏+藍調音樂的進行=鄉村藍調 與一般的藍調的悲苦比較起來,Country Blues是相當輕快明朗的 Country Blues 的大師有 Lightning Hopkins 此外還有個團體叫Cephas and Wigins,我也非常的喜歡他們
5.Rythm Blues: R&B 節奏藍調 有聽過貓王嗎? 早期的 Rock'nRoll 跟R&B 的不同在於,前者是白人唱的,後者是黑人唱的 所謂的節奏藍調就是藍調音樂和流行音樂的節奏結合的成果 11335565 <-看的懂的就知道我在說啥了,This is R&B 看不懂的去聽聽貓王,Lucky Peterson,All 4one,BoyIIMan 吧
6.Jazz Blues: 簡單來說就是以爵士的方式演奏Blues其實幾乎有一半左右的爵士經典曲目是藍調,由此就可以知道藍調對爵士的 重要性了.特別是早期的爵士,幾乎都是以藍調為主,直到Bebop後才稍有改變 當然一般人不會把他算到藍調樂派啦,不過這里是爵士版咩 Any way,Lousis Armstrong可以唱藍調,也可以不唱藍調 B.B.King 可以彈爵士,也可以不彈爵士
藍調是爵士的根,爵士卻在另一個天地大放異彩
⑤ 什麼叫藍調!什麼叫雷鬼什麼叫英倫!什麼叫朋克!
爵士(Jazz) , 藍調 (blues)對於一般人來說,似乎是那麼難分出其不同以致於版上三不五時就有人會問 Jazz 和 Blues 怎麼分這類的問題. 為何一般人會陷入混淆呢?因為這兩者在美國音樂史上是互相影響並融合的而且一般人對於 Jazz 和 Blues 的定義都不夠清楚.再加上大部分的音樂都是融合了兩種以上的音樂類型,以致於對於不熟悉者真是難以分辨. 如何分辨Jazz 與 Blues 呢? 首先我們必須認知到 : Jazz 和 Blues 的音樂定義域是不同的. 以汽車做比喻,就像手排/自排 與 四輪驅動/前輪驅動 是以不同的定義域來分賴的所以一部車可以同時是自排/四輪驅動,也可以是自排/兩輪驅動,也可以是手排/兩輪驅動照樣: 一個音樂他可以是爵士而不是藍調 也可以是藍調而不是爵士 也可以是藍調也是爵士 更可以不是藍調也不是爵士 接下來為大家簡介爵士的認定: A.廣義的爵士樂: 最廣義的爵士樂認定,簡單兩個字 : ' 自由 ' 一個音樂以很自由的方式展現出來,就是爵士如果有聽流行音樂的人,一般歌曲中間偶爾會有一兩段Sax solo 基本上那就是很爵士的表現了. 廣義的爵士,基本上可以包括的范圍很廣泛即使是帕格尼尼的小提琴演奏,只要演奏家能很自由的展現出任何東西 (任何東西就是任何東西啦,可以是調性的自由運用,音樂要表達的內涵 或是演奏家自己要表現出的內涵...只要有東西被表現) 就可以是 Jazz.重金屬樂團吉他手來段精彩的吉他solo,也是具有jazz 漸遢?當然樂曲里有一兩段爵士的表現不見得就可以叫做爵士樂. 廣義來說,爵士樂的定義是沒有特別的限制的. 所以當一首藍調音樂以很爵士的手法呈現時,就成為所謂的藍調爵士 在廣義的認定下,大概只有1.按譜演奏,100% 正確 2.節奏固定,旋律重復無變化這樣的音樂不是爵士了不過大部分的古典樂屬 1 大部分的流行樂屬 2 B.廣義的藍調: 藍調的認定和爵士的有很大的不同爵士的廣義認定可以說是很自由心證的但是即使是廣義的藍調,都是很技術性的認定 什麼是藍調呢? 簡單來說,當一首歌以 1111-4411-5411 這種所謂的12 小節藍調進行作曲,並以藍調音階或五聲音階中的音符做旋律,就可稱做藍調當然除了12 小節進行,還另外有8,16 小節的藍調進行,同樣,也有很多人會使用藍調音階外的音做代理. 看不懂的也沒關系,只要記得所謂的藍調,必須有固定的作曲模式,而且能使用的音也只限於幾個音符合這兩個條件的,就可稱做藍調 所以廣義的藍調認定一句話:以藍調音階內的音依照藍調進行做的曲子:p (我覺得這句話講了跟沒講一樣.ccc) C.狹義的爵士: 狹義的爵士定義,很簡單只要你能被歸類入任何一種爵士樂派,你就符合爵士樂的狹義定義了當然自創一派不是不可以,但是前提是別人要接受你就像連 Fusion 有些人都不把他當爵士呢:p 至於爵士樂派有哪些,請參閱精華區 D.狹義的藍調: 狹義的藍調,跟狹義的爵士一樣簡單只要你能被歸類到任何一種藍調樂派中,你就是狹義的藍調了 藍調樂派有哪些呢? 1. Delta Blues : 密西西比三角洲藍調 所謂的街頭藍調,這時期的藍調以空心吉他和口琴為主要樂器 以國內來看,有點像是地下道的老太婆手上拿著胡琴談著凄涼的曲調 國外就是一個老黑人拿著吉他坐在路邊:p Delta Blues 的大師如 Robert Johnson,對於後來的藍調發展的影響力 是非常大的 2.Texas Blues : 德州藍調 德州藍調又分兩派,一派為country blues,另一派則比較rock 一點 country blues 等會在介紹 一般所謂的德州藍調就是很搖滾的藍調,如Eric Captain,Bonnie Raitt T-Bone Walker 等等.. 很多早期的Rock Music 都是 Blues 3.Chicago Blues : 芝加哥藍調,與Delta Blues 的草根味,Texas Blues 的火爆味比起來 Chicago Blues 是屬於舞台上的 Blues 與其他藍調樂派比較起來,Chicago Blues 顯得多樣化了點 當然這跟芝加哥的音樂非常興盛有關 這樣想想就知道分別了elta Blues 是一個哀傷的老人在路邊拿把吉他 想到什麼辛酸就唱什麼 Texas Blues 是個小夥子在舞台上大吼大叫,釋放 青春期的叛逆 Chicago Blues 則是一個藝人做好一首曲子,然後 做作廣告,宣傳,或者到 pub 表演 其實是跟new orlean jazz 很像的立場 Chicago Blues 的大師如 B.B.King 號稱藍調之王,夠強吧 4.Country Blues: 鄉村藍調 音樂結合鄉村音樂的節奏+藍調音樂的進行=鄉村藍調 與一般的藍調的悲苦比較起來,Country Blues 是相當輕快明朗的 Country Blues 的大師有 Lightning Hopkins 此外還有個團體叫Cephas and Wigins ,我也非常的喜歡他們 5.Rythm Blues: R&B 節奏藍調 有聽過貓王嗎? 早期的 Rock'nRoll 跟 R&B 的不同在於,前者是白人唱的,後者是黑人唱的 所謂的節奏藍調就是藍調音樂和流行音樂的節奏結合的成果 11335565 <- 看的懂的就知道我在說啥了,This is R&B 看不懂的去聽聽貓王,Lucky Peterson,All 4 one,BoyIIMan 吧 6.Jazz Blues: 簡單來說就是以爵士的方式演奏Blues 其實幾乎有一半左右的爵士經典曲目是藍調,由此就可以知道藍調對爵士的 重要性了.特別是早期的爵士,幾乎都是以藍調為主,直到Bebop 後才稍有改變 當然一般人不會把他算到藍調樂派啦,不過這里是爵士版咩 Any way,Lousis Armstrong 可以唱藍調,也可以不唱藍調 B.B.King 可以彈爵士,也可以不彈爵士 藍調是爵士的根,爵士卻在另一個天地大放異彩 雷鬼樂(Reggae)是牙買加的一種特殊節奏音樂,誕生於60年代,黃金時代在70年代中期.起源於New Orleans的R&B,直接根源是Ska,即融合了美國節奏藍調的抒情曲風,同時還加入了拉丁音樂的熱情.跟Dub關系最近的樂風應屬雷鬼,極有節奏感的節拍,加重低音,偶爾出現雅買加式的饒舌.有些DJ在放音樂時,就算不是放的Reggae,也會用Dub手法處理音樂,讓音樂變得更有壓迫感.Reggae是世界上所有窮人與死難者得以自信微笑的揚聲器,當他們沒有資本去消費搖滾樂時,他們就發明了雷鬼樂.而bob marley,這位被牙買加人民奉為英雄的歌手說道:"我們應該一起去創造音樂和愛,因為這個世界上有那麼多艱難與貧困.沒有什麼我們不能做的,我們不能呆立著眼看著他們把我們埋葬!"也因為Bob Marely極其熱愛足球,Reggae便與足球多少有了牽連.雷鬼樂，這里不得不提雷鬼樂之父：Bob Marley 鮑布·瑪利1945年出生於牙買加的貧民窟，1961年就開始了演藝生涯，他的音樂和熱情很快贏得了牙買加音樂界的支持。1975年，鮑布·瑪利的世界巡演更讓他的音樂遍及全球，數百萬的人都在為他的成功而歡呼。1981年5月11日，鮑布·瑪利死於癌症，年僅36歲。說起雷鬼樂和鮑布·瑪利，不能不提到他所信仰的拉斯法理教（Rastafari），其歷史可以追溯到 20 世紀初興起的"黑權促進運動"，號召一些美國和加勒比海的黑奴後裔，回到非洲尋根，擺脫白人的控制，建立黑人的國家。雷鬼樂的核心精神是快樂和自由，擺脫一切人為的苦難，創造一個全新的世界。如今，拉斯法理教教徒編發辮的形象也開始在世界各地流行，更多來自牙買加的音樂型式充斥在酒吧、街角、旅館、海灘與舞廳里：從民俗的曼托（Mento）、脫胎自節奏布魯斯的斯加（Ska）、搖滾化的Rock-Steady、舉世聞名的雷鬼樂到首倡混音技巧的Dub。 Britpop (英倫搖滾) The Beatles 確立了很長時期的英國傳統和諧的音樂，吉他流行樂隊，是一種通過音樂運動時常更新的傳統形式。然而英倫搖滾採用了很多90年代那些比之前任何時期對傳統音樂的使用都要多的樂隊。 盡管這個音樂形式起源於英國音樂獨立時期，但是英倫搖滾有很大的商業價值---著類型的樂隊可以有經濟上很大的報酬，他們是閃亮的，容易讓人上癮的，就像主流流行的歌手們一樣，並且他們為新一代英國年輕人的生活創造了新的精神環境。它被英國的年輕一代瞄準：因為英倫搖滾甚少關心其路線是否會使自身較難被美國聽眾接受，從而使英國年輕的一代充分感覺其唱出了他們的生活，他們的文化和他們的音樂追求。英倫搖滾年輕的活力和渴望公認的特點不僅對90年代早期低調shoegazer風格樂隊的老一輩樂手有沖擊作用，還對美國陰沉的車庫以及在新崛起的地下電子舞曲背後搞創作的樂手有一定的影響力。 從音樂上來看，英倫搖滾沿襲了the Beatles，當然也融合了60年代晚期Kinks的田園之聲，中速音樂（the Who, the Small Faces），70年代的迷幻（David Bowie, T.Rax, Roxy Music），朋克和新浪潮（the Jam, the Buzzcocks, Wire, Madness, XTC, Squeeze, Elvis Costello），還有the Smiths的另類吉他流行。所有的這些樂手都是英國音樂的精髓---他們用明顯的英國思維極大的發揮想像，作詞和有譜曲，這也是他們幾乎沒發和美國的Cult相比以及造成英倫搖滾形式單一的一大因素。 在影響中分裂後，英倫搖滾已經在曼切斯特擁有了他們最迅速的根基，那是個強調好時機和偏重於shoegazer美學易記曲調的地方。The Stone Roses的頹靡流行風格和搖滾明星的姿態是英倫搖滾創立的主要部分，但是真正意義上的英倫搖滾之父應當屬於 Suede。在1993年他們以同名專輯第一次發行唱片時，他們那融合了glam-rock權威的式樣和Smiths改進後的風格使他們收到了意想不到的出色效果。Suede為之後1994年Blur（Parklife）和Oasis（Definitely Maybe）更強烈的突破開啟了大門，使他們從而很快地成為了英倫搖滾的兩大最流行的巨星。通過前兩者成功，炫目地在樂壇上爆炸而得到靈感，用相似的風格出現的樂隊：Elastica, Pulp, Supergrass, the Boo Radleys也同樣並列於巨星行列。到了1996，只有Oasis真正的成為了美國樂壇主流音樂的明星。1997年英倫搖滾盛行光環的逐漸消失，也就是Oasis在回顧第三張專輯是表現的貧乏和Blurs轉向美國獨立搖滾的時期。然而就是在這場運動中慢慢暗淡的巨星們，也仍有個別的繼續保持強大的勢利，較少的初期傳統搖滾保持古典風格繼續生存。
⑥ Bebop的成員簡介
中文名：雅妍
生日：1990.06.04
身高：162cm
隊內職務：隊長，鼓手 中文名：珠雨
生日：1995.02.06
身高：168cm
隊內職務：主唱，吉他 中文名：智仁
生日：1992.03.13
身高：167cm
經歷：Girls day一期成員
隊內職務：主唱，貝斯
⑦ 音樂分類 舉例
藍調的分類
1912 年，W.C. Handy 發表了第一篇藍調作品「Memphis Blues」。但即使在那之前，藍調已經作為美國少數原創藝術形式之一慢慢形成。藍調實際上是非洲西部旋律和樂感加上歐洲北部的樂器和樂風的結合。然後再加入民謠和福音音樂，早期的藍調如此形成——不管天份多少，誰都可以用隨便什麼樂器搞出音樂來——當然其中吉它和鋼琴是最普遍的樂器。藍調的先鋒們——傳奇樂手有 Robert Johnson,Muddy Waters 甚至 B.B. King ——精湛的演奏包括技術上的嫻熟和創意上的神秘。經典的藍調是 12 小節形式的，把重復的曲調通過人聲和樂器的即興而作演奏出來。這是一個有巨大影響的音樂流派，它對搖滾樂的形成起重大的作用。藍調也被無數的非黑人樂手採用，如吉它之神 Eric Clapton，連連上榜的 Bonnie Raitt，還有後來居上的 Jonny Lang。
德克薩斯藍調 (Texas Blues)
德克薩斯藍調發展於 20 世紀 20 年代，很大程度地從鄉村音樂過度，只是濾去了鼻音。它節奏鬆散，也稱「德克薩斯拖拍」，在拍子後面拖擺一點。歌詞方面，擺脫了「強作愁」的主題。德克薩斯藍調常用傳統的旋律，一把吉他而不是吉他合奏。然而，德克薩斯藍調在二戰後趨向電子化，主要受 Clarence "Gotamonth"Brown 的影響，他們在管樂部分用電吉他獨奏表演。其後，T-Bone Walker 和Stevie Ray Vanghan 繼續保持了拖拍的節奏和輕松的德州傳統。
城市藍調 (Urban Blues)
城市藍調的歌詞充分反映了都市生活。「城市藍調」一詞最初是為了與鄉村藍調區別，到四十年代逐漸形成自己的風格。城市藍調包含了 Louis Jordan 的跳躍藍調到爵士的最新花樣，包括了 Percy Mayfield 和 Ray Charles 的帶有城市化的感覺的低吟。
早期美國藍調 （Early American Blues）
這一范疇包括藍調的最早錄音。從 W.C. Handy 到 Robert Johnson。這種唱片質量通常並不那麼理想，但充滿著深切感情，繞梁三日。
原聲藍調(Acoustic Blues)
不插電即是原聲。原聲不一定專指原聲吉他。此類藍調指所有非電子樂器演奏的藍調——從吉他、班究（五弦琴）到口琴、發聲鐵罐。各地有各地的曲風——芝加哥、三角洲（Delta）、新奧爾良、德克薩斯、等等；也有各種音樂風格——滑音型、爵士型、指撥型、等等。二十世紀前葉的大師 Big Bill Broonzy, Lead Belly 和 Blind Lemon Jefferson 被認為是原聲的，還有更現代型的 Keb' Mo', Taj Mahal 和 John Lee Hooker。
民謠藍調 (Folk Blues)
民謠藍調可追溯至 19 與 20 世紀交界的小酒吧音樂和晚間小慶典的原聲風格。它產生於南方從德克薩斯到三角洲的影響，被許多人認為是美國最原創的音樂。盡管早期美國藍調也同樣的深入大眾，但真正把人們帶入小酒吧間跳舞的是民謠藍調。是 Lead Belly 和其後的 Sony Terry 和 Brownie McGhee 將民謠藍調的風格延傳下來，而 90 年代的吉它手 Ben Harper 成功地再現了這一風格而又沒被認作為復古分子。
孟菲斯藍調 (Memphis Blues)
當 W.C. Handy 寫「Memphis Blues（孟菲斯藍調）」時，他根本沒有想到這個詞的深遠影響。孟菲斯藍調的兩大派系中的前一種是在 20 世紀 20 年代的Beale Street 初生，從眾多「陶瓶樂隊（jug band）」和綜藝表演衍生而出，Memphis Jug Band 的弦樂風格和 Memphis Minnie 和 Frank Stokes 的粗曠而又時常滑稽的風格而備受歡迎。這種孟菲斯藍調的早期形式發明了一種演奏方法：主音吉他在一曲中有一「段」特殊演奏——這種方法至今已成為標准方法了。後一種孟菲斯藍調是在 50 年代前期開始的一種電子風格，是更響亮而又激進的藍調。樂手們採用了擴大的、失真的吉他和較重的鼓聲，對今天的大多數藍調藝人有更直接的影響。
爵士藍調 (Jazz Blues)
爵士藍調有著堅實的藍調根基，但又吸收了富變化而又稍快的爵士音樂。這類音樂家們通常把爵士樂的即興演奏特點摻進了經典的藍調音樂三和弦結構。爵士藍調包括從鋼琴師 Mose Allison 以爵士為主的作品，到吉它手 Lonnie Johnson 的扎實的藍調，還有 Ray Charles 的激情盪漾而又博採百風的鋼琴藍調。
紐約藍調 (NY Blues）
成熟的紐約藍調吸收了跳躍藍調、搖擺、Bebop 和早期的節奏藍調中的精髓。它在 40 年代搖擺時期綻開，當時 Lionel Hampton 的大型樂隊用上了藍調歌手和強烈的節奏。 正當吶喊的 Big Joe Turner 影響了搖滾樂，Erskine Hawkins 和Eddie 「Cleanhead」Vinson 把大眾的藍調和受高度尊敬的搖擺爵士聯繫到一起。
新奧爾良藍調（New Orlean Blues）
顧名思義即知，藍調決不是笑嘻嘻地找一番樂子（英語「藍調」blues有憂傷的含義）。但於此——並非絕無僅有——新奧爾良藍調稍稍有別。它帶有加勒比韻律（尤其是倫巴）和一些美國南方音樂色彩，只在派對聚會上才有用武之地。此類別可輕松休閑，也可捶胸跺腳地豪放，有Fats Domino 和 Professor Longhair 等出色藝人，用了號和即興發揮的鋼琴伴奏。
靈魂藍調 (Soul Blues)
一種傳統藍調和 60 年代靈魂音樂的快速旋律的熔合物，靈魂藍調是涵蓋兩種傳統的藝人。以標準的藍調樂隊為基礎——鋼琴、吉它、貝斯、口琴和打擊樂——有時加入節奏藍調曲調的管樂，靈魂藍調的音樂家們延伸了傳統的界線，又保持了靈魂樂的根基。Etta James, Bobby "Blues" Bland 和 Jonnie Taylor 都曾是靈魂藍調的佼佼者。
鋼琴藍調 (Piano Blues)
各種時期的爵士型、藍調型音樂、即興的演奏，只要是用鋼琴演奏的藍調，那就是鋼琴藍調。鋼琴藍調的范疇包括從 Count Basie 和 Rossevelt Sykes 到 Ray Charles, Dr. John 甚至是福音音樂的祖師 Thomas A. Dorsey。
沼澤藍調 (Swamp Blues)
因路易絲安那州的沼澤而得名。沼澤藍調慢悠悠地，用口琴、吉他演奏，出現過偉大的 Slim Harpo。經摻入新奧爾良的節奏與藍調的韻律、加上回聲和延遲的電吉他效果，沼澤藍調可悠揚如 Lonesome Sundown 和 Lightnin『 Slim，活潑如Lazy Lester 的口琴。
綜藝藍調 (Vandeville)
在綜藝表演的最初年代，眾多劇院因偏好白人戲而忽略了黑人演出（頗具諷刺意義的是，他們實際上卻常上演一些模仿黑人老套形象的滑稽戲）。因為主流的排斥，黑人藝術家們組成了自己的圈子，在美國為數不多的場所上演專給黑人觀眾看的劇目。這些綜藝表演通常包括滑稽戲、魔術、舞蹈等，但最引人注目的當數藍調歌唱表演——出現了一批如 Ma Rainey 和 Bessie Smith 的歌手。綜藝表演要求表演者超越唱歌地取悅觀眾，於是加入了戲劇和舞蹈的成分，使黑人綜藝表演更深地吸引了觀眾。綜藝表演中的佼佼者 Butterbeans and Susie 因他們的特別的喜劇表演和精湛的藍調二重唱久負盛名。綜藝藍調在 20 世紀 20 年代處於顛峰狀態。
經典女性藍調 (Classic Female Blues)
女性在 1920 年開始接觸藍調。有歌手如 Ma Rainey 和 Bessie Smith，她們創作了許多尖銳而又自信的作品。以後的音樂家如 Billie Holiday 則降低了尖銳性，但同樣真實地反映了她們的生活與關系。
三角洲藍調 (Delta Blues)
三角洲藍調大多用一原聲吉他演奏，是藍調的一種原形。其代表人物包括富有傳奇色彩的Robert Johnson, 芝加哥藍調的締造者 Muddy Waters，口琴師 Sonny Boy Willianson II 和藍調之王 John Lee Hooker。得爾他藍調用充滿熱情的歌詞和人聲，通常獨奏，也有一些小的組合，如 Willianson 的各種組合，也曾有過灌錄。
電子藍調 (Electric Blues)
只要插了電，就是電子的了。雖然電子藍調以電吉他的使用為標志，它也同樣以電貝司為標志——拾音器（用來放大原聲樂器的一種裝置）被裝到倍大提琴和原聲吉他中。從戰後的悲曲大師 Little Walter 到電吉他人 Smokey Wilson 和 Eddie Kirkland 都是電子藍調傳統的代言人。
口琴藍調 (Harmonica Blues)
由 Sonny Boy Williamson II, Lazy Lester 和 Jimmy Reed 倡導——然後由Little Walter 和 Junior Wells 帶入 20 世紀後期——口琴藍調以藍調口琴為核心。Little Walter 在芝加哥發展了該風格的電子版，而 Slim Harpo 在路易斯安那演奏連頸口琴。在以後的幾年中，Paul Butterfield 和 Bob Dylan 把口琴融入到民謠、搖滾和藍調復古。
跳躍藍調 (Jump Blues)
在搖擺年代，大型樂隊爵士、藍調、福音音樂和「布吉沃吉（Boogie-Woogie）鋼琴」全部結合起來，成為「跳躍藍調」。Cab Calloway 唱新鮮有趣的歌曲時，更強調了旋律。Slim Gaillard 則「說」唱出另人捧腹的超現實主義歌曲（通常是關於食品），而他的樂隊應和著喊叫著。Louis Jordan 也掌握了這種高能量的跳躍藍調，同時 Louis Prima 又結合了 Louis Armstrong 的人聲變化和小號技巧。跳躍藍調的西海岸版很大程度地受比較輕松的 Nat Cole 的爵士三人組影響，用老練的音樂和歌詞代替了強勁的能量。受正規古典音樂培訓過的歌手、鋼琴家 Charles Brown 就是西海岸的最佳代表。跳躍藍調影響了節奏藍調（R&B）和搖滾使成為美國派對的主流音樂，後來又成為 90 年代搖擺復興的主要元素。
現代藍調 (Modern Blues)
現代藍調是一個廣泛的概念，包含所有現代的藍調藝術家們，他們雖然未能見到傳奇的老派藍調藝術大師，但遵循了他們的步履。現代藍調既用原聲吉他，又用電吉他，結合從搖滾到流行到民謠的多種元素。有些藍調純粹主義者或閉門造車的音評人會說現代藍調只是些簡單的模仿者；但他們實際上在尊重過去藝人的基礎上融會了創意、天賦和更現代化的感官。Stevie Ray Vaugan 在生前一直被認為是獨特的藍調復興主義者（1990 年他直升飛機遇難而亡），其後又有 Robert Cray 和Keb' Mo'。
什麼是搖滾樂？自搖滾樂產生起就一直困擾著人們，隨著歷史的演進，它最初的含義和今天已經相去甚遠。如果我們來談什麼是搖滾樂，首先應該考慮的是讀者對象。因為對於目前中國的搖滾樂欣賞者來說，的確有必要談一下搖滾樂的概念及其劃分標准；但是對於搖滾樂的創作者來說，更重要的是強調音樂和人，不是搖滾樂的概念。
搖滾樂是在西方的文化歷史背景下產生的，自它產生到現在，幾十年來西方樂評家和搖滾藝術家對搖滾樂下過無數的定義，但是這些定義仍不能取得人們一致的的認同。這種情況，在中國也不可避免地出現了。因為任何理論的嚴謹性都是相對的，不是絕對的，所以中國搖滾音樂家對什麼是搖滾樂這個問題的回答同樣也是眾說紛紜。
什麼是搖滾樂呢？就其產生而言，它是黑人節奏布魯斯和白人鄉村音樂相融合的一種音樂形式；就其使用的樂器而言，它是以吉它、貝司、鼓為主，加上大功效的音響和諸多效果器來表現音樂的形式；就其風格而言，它分為布魯斯（BLUES）、搖滾（ROCK AND ROLL）、重金屬（HEAVY METAL）、朋克（PUNK）、放克（FUNK）、雷鬼（REGGAE）、說唱樂（RAP）、等等；除此以外，搖滾樂還有演唱、舞台設計、燈光效果等方面的特點。但是這些特點加起來，只是搖滾樂的形式而已。 提到搖滾樂，不可迴避的是它內容上的屬性，也就是搖滾精神。我們說今天對搖滾樂的認識存在混亂，實際指的就是對這種精神的認識不能統一。無論樂隊是否承認他們在表現搖滾精神，但是音樂總是存在精神的，無非是對精神的理解和表現有所不同。梁和平曾強調這種精神就是反叛意識、斗爭意識、批判意識；崔健認為這種精神就是反抗一切讓人丟失自己的東西；而丁武則認為這種精神可以通過音樂的情緒來表現，不一定讓歌詞那麼尖銳。其實他們三個人的說法並不矛盾，我們將這三點合起來看，思路反倒清晰了。
搖滾精神說的哲學一點就是人類追求生存自由的一種精神；說得能通俗一點就是通過音樂來反大眾化的東西，因為順從大眾的就是失去個性的、媚俗的和流行的。如果人們簡單地把搖滾精神理解為憤怒，理解為反傳統，是不合中國實際的。 我們將搖滾樂形式上的標准和內容上的標准兩者合一，就得出了今天區分搖滾樂和流行音樂的標准。
古人說「詩無達詁，類無定準」，對於劃分搖滾樂也一樣的。有些作品是很難說清它是搖滾樂還是流行音樂的。臧天朔的《心的祈禱》，就其音樂成分來說，流行音樂的成分更多一些。但是在搖滾音樂會上演唱時，卻增加了歌詞的搖滾成分。這種情況下，關心音樂是否能夠真正打動你，比關心一首歌是屬於哪種音樂類型更為重要。 任何一群人都不可能是完全一樣的，他們一定存在著種種差異。他們對人生的態度是不一樣的，甚至是截然不同的。其中有背負十字架的苦行者，也有承擔荒誕的快樂者。不同的人生態度自然產生出不同的音樂。我只想提醒欣賞者注意他們的音樂有著本質的不同。
他們有些人是把搖滾樂作為工具，來表達自己的觀點。這種人如果不拿搖滾作為工具也會拿起另一種工具，因為他們在這個世界上生存內心的感觸很豐富，時常有骨鯁於喉一吐為快的生理反應。這種人不僅是搖滾樂中的英雄，也是人類中的傑出者。 另一些人則是以音樂為重。他們喜歡這種音樂超過了其他任何音樂形式。他們不強調作品的思想性，而強調音樂必須成其為音樂。他們好象血液裡面就需要這種音樂，必須每天在這種音樂里浸泡著、吸吮著，才能感覺到自己的存在。他們大多才華橫溢，對音樂的執著令人感佩。
還有一些人頗有趕時髦的嫌疑，他們的作品沒有內容，思想性和音樂性都很差。我寧願認為他們的生活感受還不清晰，音樂風格還沒有建立，也不想指責他們在用贗品和垃圾來欺世盜名。
巴洛克時期，音樂藝術得到了前所未有的迅猛發展。並且促成了後來的洛可可（Rococo）藝術的興起。這一時期的音樂以德、意、法等幾個國家最具代表性。
早期搖滾樂/根源搖滾（Rock & Roll/Roots）：主要包括早期搖滾樂、山地鄉村搖滾（Rockabilly）、沖浪樂（Surf）、車庫搖滾（Garage Rock）、酒吧搖滾（Pub Rock）、根源搖滾（Roots Rock）、美國傳統搖滾（American Trad Rock）、英國傳統搖滾（British Trad Rock）等風格。
流行搖滾（Pop/Rock）：主要包括英國戲院音樂（British Musichall）、噪音爵士（Skiffle）、青春偶像（或青少年偶像，Teen Idol）、布瑞爾大廈流行曲（Brill Building Pop）、女子樂團（Girl-Group）、泡泡糖搖滾（Bubble -gum）、不列顛入侵（British Invasion）、Mod、迷幻樂（Psychedelic，或作Psychedelic Roch，迷幻搖滾）、喜劇搖滾（Comedy Rock）、歐洲搖滾（Euro-Rock）、歐洲流行曲（Euro-Pop）、拉丁搖滾（Latin Rock）、成人非主流流行搖滾（Alt Alternative Pop/Rock）等風格。
民謠/鄉村搖滾（Folk/Country Rock）：主要包括鄉村搖滾（Country-Rock）、民謠流行曲（Folk-Pop）、民謠搖滾（Folk-Rock）、歌手/詞曲作者（或歌手兼詞曲作者，Singer/Songwriter）等風格。
重金屬/硬搖滾（Heavy Metal/Hard Rock）：主要包括布魯斯搖滾（Blues Rock）、布吉搖滾（Boogie Rock）、酸搖滾（Acid Rock）、硬搖滾（Hard Rock）、魅力搖滾（Glam Rock，或Glitter Rock，又譯作華麗搖滾）、南方搖滾（Southern Rock）、舞台搖滾（Arena Rock）、重金屬（Heavy Metal，簡寫作HM）、不列顛金屬（British Metal）、流行金屬（Pop-Metal）、和「頭發金屬」（Hair Metal）、速度金屬（Speed Metal）、激流金屬（Thrash）、死亡金屬/黑金屬（Death Metal/Black Metal）、Grindcore、前衛金屬（Progressive Metal）、吉他大師（Guitar Virtuoso）等風格。
藝術搖滾/實驗音樂（Art-Rock/Experimental）：主要包括藝術搖滾/前衛搖滾（Art Rock/Progressive Rock）、德國搖滾（Krant Rock）、爵士搖滾（Jazz- Rock）、實驗搖滾（Experimental）、新前衛搖滾（Neo-Progressive）、雜訊搖滾（Noise-Rock）等風格。
軟搖滾（Soft-Rock）：主要包括流行曲（Pop）、軟搖滾（Soft Rock）、當代成人音樂（Alt Contemporary）等風格。
朋克/新浪潮（Punk/New Wave）：主要包括原始朋克（Proto Punk）、無浪潮（No Wave）、朋克（Punk）、核心朋克（Hardcore Punk，又譯作硬核）、新浪潮（New Wave）、後朋克（Post-Punk）、合成器流行曲（Synth Pop）、勁歌（Power Pop）、新浪漫主義（New Romantic）、Oi！等風格。
節奏布魯斯/靈歌（R&B/Soul）：主要包括節奏布魯斯（Rhythm and Blues，簡稱R&B）、Doo Wop、靈歌（Soul）、摩城音樂（Motown）、芳克（Funk）等風格。
非主流搖滾/獨立唱片（Alternative/Indie-Rock）：主要包括非主流音樂鄉村搖滾（Alternative Country-Rock）、非主流舞曲（Alternative Dance）、非主流金屬（Alternative Metal）、非主流流行/搖滾（Alternative Pop/Rock）、英式搖滾（Brit-Pop）、Chamber Pop、Cocktail、Cowpunk、夢幻流行曲（Dream-Pop）、芳克金屬（Funk Metal）、哥特搖滾（Goth-Rock）、臟搖 滾（Grunge）、獨立唱片（Indie Rock）、工業雜訊搖滾（Instrial）、工業雜訊舞曲（Instrial Dance）、工業雜訊金屬（Instrial Metal）、Jangle-Pop、Jungle/Drum 』N Bass、低保真搖滾（Lo-Fi）、曼徹斯特搖滾（Madchester）、新迷幻樂（Neo-Psychedelia）、紐西蘭搖滾（New Zealand Rock）、Paisley Underground、後臟搖滾（Post-Grunge），後搖滾/實驗音樂 （Post-Rock/Experimental）、Psychobilly、朋克復興（Punk Revival）、流行 朋克（Punk-Pop）、說唱金屬（Rap-Metal）、Riot Grrrl、Shoegazing、Ska-Metal、Ska-Punk、太空搖滾（Space Rock）、Third Wave Ska-Revival，城市民謠（Urban-Folk）等風格。
Hip Hop
B-BOY
其實B-Boy（Breaking Poping Locking）的開始早在1983年就已經有了。在那時候，我們稱之為「霹靂舞」。但，這種於國外的文化，目前在國內還只能稱作為一種「流行」無法融入真正的生活，所以迄今仍無法將之延續下去，而且當時信息有限，能真正了解此文化的人並不多，正因為如此，對於這種文無法完善地教授給下一代，所以到了1987年Breaking，就形成了一種沒落的狀態甚至淪為一種過時的流行話題。「霹靂舞」在國外理所當然是種文化，但，到了國內卻沒幾年就變成了歷史。
雖然Breaking停擺了一段時間，但是在八0年代末九0年初卻出現了許多新的舞蹈團體（此時Old School已漸漸形成New School）。其實國內在這個階段的舞蹈類型還沒有分得很清楚，玩地板Breaking的人變少，而是以Locking、Poping為主，這時信息的來源是日本。在九0年代中的時候New SchooL興旺，Old school也大有人在，但真正能持續下去的人並不多，在此時期存在的幾乎都是老面孔。到了九0年代末期，「街舞」的風潮興盛，才有再度引起了媒體的注意。
Graffiti
我們經常在黑人電影中常看見車站地鐵甚至火車廂外被畫上一些奇形怪狀的字，那就是噴畫與塗鴉。這些色彩鮮明的圖案，代表了畫家對於自己的立場或是對社會的看法、現象等等。然而利用噴漆瓶並不簡單嗎，真正的噴畫家是把噴漆瓶當作畫筆，在原本不可能出現畫作的牆上、地上等地方作畫。出名的噴畫家更可以跟服裝結合，掀起服飾流行風氣。依照風格、字體及色調的不同，世界各地的噴畫家，各自設立自己的文化及天地，正符合了Hip Hop獨一無二且無法模仿的精神。
DJ
DJ在Hip Hop領域里，無庸置疑佔了極重要的角色。因為不管是B-Boy或者是MC，都需要DJ來輔助，否則等於是瞎子一樣。
在美國1967年時，有位從牙買加金斯頓移民到美國紐約布朗士區的傳人物，叫做Kool Herl，當時是他最早把兩個唱盤（turntable）及混音器（mixer）擺在一起，及獨創「刮唱片」（scratch）的動作。所以當時吸引了很多的人在街頭欣賞他表演。然而他在一次的酒吧斗毆中不幸失去雙手，被譽為「The founding Father of Hip Hop」的Herl不得不停止表演並退出了樂壇。隨後，更多DJ紛紛成名，如：Afrika Bambaataa、Grand Master Flash等人，他們把自己的DJ想法及先進的技巧，融入音樂製作，產生了當時紅遍街頭巷尾的舞曲，如：Plant Rock、The Message……等。
所以DJ發展至今，已並非是純粹做些mixing或scratch的技巧而已。在在這幾年的趨勢中，DJ已跨越到音樂製作領域，不少還親自擔綱製作人，如樂隊Pete Rock & C.L. Smooth，Pete Rock即是該樂團的DJ兼製作人，樂隊Gangstarr的DJ Premier也是如此。國內DJ的角色尚未被重視，是因為國內樂界認為DJ並無正規的音樂素養，所以做出的作品也是上不了檯面的；但無論如何，DJ本身的想法及先進的技巧，是值得餓肚子也要繼續的「信仰」。
在一般人的印象當中，常見「DJ」常常會把手放在唱盤（turntable）上的黑膠唱片（LP）來回刷動，另一隻手在混音器（mixer）上的CROSS FADER（控制左右唱盤的聲音）反復不停地切換。其實這種動作正確名稱叫做「Scratch」。Scratch是一種在節奏中或一首歌曲里做類似唱歌般的組合，然後增加其變化性。然而不只是單單有「scratch」而已，還有一種用2張一樣或是不一樣的唱片，也是在一定的節奏上，去做變化，而這個技巧稱為「Battle」。這兩種技巧都是「Hip Hop DJ」比較常使用的方式，然而在「scratch」和「battle」里，沒有一定的規范，每一位DJ都有自己的特色（free style）。其實，它們在國外已經風行20餘年，自成為一種特殊的文化了，而且還有舉辦一些大大小小的比賽，其中就有極具公信力的比賽，叫做「DMC」。它源自於八0年代初，當時是由一群熱愛音樂的DJ俱樂部（類似行會的組織）名叫「D.M.C」（DJ Mix Club）。一直到現在，D.M.C在世界各地（美、英、加、澳洲、日本、香港等等）幾乎都有舉辦比賽。然後再由每個地區的冠軍，一起比賽爭取世界冠軍（類似奧林匹克的比賽模式）。在比賽里每個DJ一直都把自己最好、最新的技巧，在比賽中展現在來。在D.M.C里也造就了不少知名的DJ，像「Mixmaster Mike」、「Q-Bear」和香港的「DJ Tommy」等等。目前在國內這種類型的DJ一直以來都是存在的，只是他們發展的空間太小了，參與的人相對也就越來越少了。所以不管是哪一種類型的DJ，沒有一個群體的支持，他們是不可能發展下去，最後形成一種新文化的。
MC
MC就是最能帶動氣氛的那個人，但這不一定是黑人。「MC」的原義Micphone Controller，也就是「控制麥克風」的人。所以有許多的人饒舌歌手都會給自己的藝名前面加個「MC」什麼什麼的，比如前幾年很出名的MC Hammer。經過多年的傳承，現在的MC需要具備多方面的能力，比如要能帶動氣氛，能主持、能RAP、能即興饒舌（free style）。他不只是表演者，也兼俱了Hip Hop文化的訊息傳達者的功能，所以從他的表演內容和形式尚可分不同域及派別的表演型態，例如東岸、西岸、非主流等。當然，一個具有鮮明個人色彩的MC，更能進一步的帶動口頭禪、音樂以及服裝的流行，這點也可以由那麼多的黑人歌手代言服飾品牌窺見一二。在國內，當MC是很不容易的，因為國內尚沒有那麼多的製作人水持這種表演類型，頂多在PARTY上看見表演會覺得新鮮，但是以目前情歌滿天飛的情形看來，要發動Rap的市場比較難。從R&B著手會容易得多。但是目前能在自己的作品中加入一些旋律及唱功的MC，在國內少之又少。其實，大部份的MC還是希望大家能以「玩」的角度出發，才是黑人音樂真正的元素。唯有充滿喜感、快樂。才能在目前「情歌至上」的音樂市場中，求得發揮的空間。
鄉村音樂
早期鄉村樂（Early Country）
早期商業*作的鄉村音樂是與美國南部18、19世紀大不列顛移民帶來的傳統民歌謠一脈相承的。但早期鄉村樂並不堅持口頭敘事的傳統，而是經常用小提琴這種樂器奏出旋律，代替人聲的作用。鄉村音樂家John Carson把這兩種傳統結合了起來，在1923年他的"78"這首歌中既演唱又演奏，被認為是早期鄉村樂的第一首暢銷單曲。
這一時期最負盛名的組合無疑是The Carter Family（卡特家族）----他們對鄉村音樂發展的重要性怎麼描述都不為過。他們是南部民謠傳統的堅守者。他們被認為是"鄉村第一家"（The First Family of Country Music），他們的那首歌《Will the Circle Be Unbroken》就象"野花"《Wildwood Flower》一樣是鄉村音樂的典範，並第一次把Maybelle Carter的極富感染力的吉他風格介紹給人們。The Stoneman of Galax，Virginia也是早期鄉村樂的先驅者。
Jimmie Rodgers，"鄉村音樂之父"。他把大眾對鄉村音樂的接受度提高到一個新的水平，並且是流行音樂史上最具影響力的歌手之一。他那獨一無二的嗓音和為潦倒者寫的歌詞給它帶來了全國性的知名度。由此，他為鄉村樂打下了一個嶄新的牢固的基礎。他在那短暫的錄音生涯（1927-33年）的原創，他的歌唱和寫曲風格，即使是現在也並未過時。
牛仔音樂（Cowboy）
牛仔音樂來源於美國人對大西部的迷醉，這還體現在好萊塢的電影里。鄉下人現在變
成了打扮漂亮、精神抖擻的牛仔男孩和牛仔女郎，唱著來自鄉間的浪漫歌曲。展示著孤獨
大草原中的浪漫景象。西部片中總會拍一個自由的牛仔在一天的辛勞後圍著篝火旁唱歌，追逐著長途汽車的情景
⑧ 簡單談下爵士音樂,起源和發展
爵士樂的起源、含義：
爵士樂成形時間是19世紀末、20世紀初。公認的發祥地是美國南部路易斯安那州的一個亞熱帶城市―新奧爾良。
在眾多流行音樂中，爵士樂是出現最早並且是在世界上影響較廣的一個樂種，爵士樂實際就是美國的民間音樂。歐洲教堂音樂、美國黑人小提琴和班卓傳統音樂融合非洲吟唱及美國黑人勞動號子形成了最初的"民間藍調"，"拉格泰姆"和"民間藍調"構成了早期的爵士樂。
從17-18世紀西方殖民主義者，將大批非洲黑人販賣到美洲，成為那裡白人的奴隸之後，他們被強迫勞動、受盡折磨。在田間、在勞動之餘，黑奴 們懷念故鄉和親人，常常唱一種哀歌，以表達他們痛苦的心聲。這種音樂也滲透在一些宗教 歌曲中。由於藍色在美國人民中，被看作是憂郁的色彩，這種悲哀的歌曲，也就統稱之為Blues(藍色)。中國音譯之為"布魯斯"。我們常常從美國音樂作品中發現帶有Blues的曲名，如《藍色狂想曲》、《藍色的探戈》、《藍色的愛情》等。
爵士樂的另一個起源，是來自一種叫"拉格泰姆"的鋼琴音樂。"拉格泰姆"是Ragtime這 個詞的音譯。詞意是"參差不齊的拍子"。故又稱為"散拍樂"。它也是從非洲民間音樂發 展而成。19世紀末，一個名叫司科特·喬普林(Scott Joplin,1869-1917)的黑人鋼琴手，創造了一種新風格的鋼琴音樂：右手高音聲部演奏切分音節奏很特別的主旋律或琶音。一般 4/4拍樂曲，一、三拍為強拍，二、四拍為弱拍，而他在高音聲部每一拍半、 即三個八分音符時，就出現一次強音，而左手則是規律地演奏由四分音符輕重音組成的節奏， 一、三拍為低音強拍，二、四拍為和弦、弱拍。這樣左右手形成交錯的節拍，使音樂帶有 幽默、歡樂、活潑的情趣，由於這一創造，喬普林被人們譽為"拉格泰姆之王"。
有人說Jazz這個詞，是從非洲土語Jaiza演變而來。這個詞原意思是"加快擊鼓"；另一種說法是：早年新奧爾良有位樂手名叫Jasper,大家叫慣了，都叫他Jas,後來一傳再傳，就變 成了Jazz了；還有人說Jazz這個詞是由Chaz這個詞演變而來的。
早期的黑人爵士樂師多不識譜，演奏時只是憑著靈感，對所熟悉的曲調自由地進行變化。 所以帶有很強的即興性質。由於人數不多，三五個樂手經常在一起合作，時間久了，彼此之間也就自然地形成一種默契。
1923年冬天，紐約"皇宮樂隊" 領班保羅·懷特曼找到作曲家格什溫，說他想舉辦一次別出心裁的音樂會，其中有一個能讓 聽眾大吃一驚的壓軸節目，就是把爵士樂和交響樂揉合在一起，格什溫是一位音樂革新者，他從1924年元月開始動筆，僅僅花了 一個星期的時間就完成了。由於裡面主要用的是"布魯斯音階"和小三度、純五度、小六度 構成的七和弦，故將所作曲子取名為《布魯斯狂想曲》(Rhapsody in Blue)，在我國譯作《藍色狂想曲》。這次演出大獲成功。從此，爵士樂受到嚴肅音樂家及知識階層的重現，許多作曲家也竟相效仿，創作了許多爵士風格的音樂作品，如美國的一些音樂劇，興德米特的《舞蹈組曲》、斯特拉文斯基的《黑色協奏曲》等，都運用了爵士音樂的素材和節奏。
爵士樂音樂的特點：
(1)從大音階來講，它的第三級(Mi)音和第七級(Si)音經常是降低一些(平時講是降半音，實際上不到半音)。有時第五級(Sol)音也降半音。這些降音還常輔以滑音和顫音，因而更加強了歌曲憂郁、悲傷的色彩；由於有以上這些特點，按這種方法形成的音階，人們稱之為"布魯斯音階"。
(2)旋律中多用切分節奏和三連音，形成輕重音顛倒；
(3)節奏多為雙拍，通常為4/4拍，也有部分是2/4拍 ；
(4)從歌詞、曲調結構上講，布魯斯多採用對稱的、帶音韻的兩行詞。第一句重復一遍。每段曲調12小節，每句4小節，從而形成：‖∶ A ∶‖＋B三句的固式曲式結構
(5)和弦常用主和弦(Ⅰ)、屬和弦(Ⅴ)和下屬和弦。(Ⅳ)，因此，和聲聽起來很和諧，而且樸素。
其他特點因素：
爵士樂的演唱利用無意義的「襯詞」在即興的規則下形成了風格獨特爵士唱法。
爵士樂的切分節奏復雜多樣，特別是跨小節的連續切分經常將原有的節奏整小節移位，造成一種飄忽不定的游移感。
原來的4／4拍節奏經改變後變成了3／16拍。
爵士樂的旋律經常採用布魯斯音階（ 1 2 b3 3 4 5 6 b7 7 ）來形成它的特點，有時還在布魯斯音階的基礎上增加＃4和其他一些變化音，使其變得更加豐富多彩 。
爵士樂的和聲比流行音樂和聲要復雜得多，它以七和弦為基礎，並且大量的運用擴展音（如：9音、11音、13音）和替代和弦，有時還經常出現連續的下行純五度副屬和弦進行，使其呈現出豐富多彩的和聲效果。
即興是爵士樂手（或歌手）必練的演奏（或演唱）技巧之一 。
爵士樂的一些變化分支：
早期爵士樂
早期的爵士樂（1900—1917）曲目有32小節、4樂句的AABA流行歌曲式的曲調；有4樂節、兩個調的拉格泰姆曲調；還有12小結的器樂布魯斯曲調。拉格泰姆樂曲的和聲節奏傾向於比另兩種更快的速度。布魯斯樂曲的和聲節奏最慢，但它的獨奏旋律線的變音轉調較多，起音不一，音高變化也不少。早期歌曲曲目中也有很多以「布魯斯」作名稱，而實際上是流行歌曲或別的什麼同源形式。
早期爵士樂隊的設置平均為8位樂師。在新奧爾良風格爵士樂隊的固定形式上增加了兩件樂器。有時添一支短號和一件節奏樂器，有時加一把小提琴為領奏。在演奏過程中，樂隊的每個成員，不僅僅是獨奏者，都要做即興演奏。彼此之間自發的互相謙讓與合作，只受和弦進行結構的限制，這種新的聲音在20世紀初期任何聽眾以下就能辨認的出，它就是「爵士樂」。
自由爵士
自由爵士產生於60年代，這種全新的音樂剛一出現，就深受廣大爵士音樂家和爵士樂迷的喜愛。
自由爵士不同於以往爵士樂，在和聲、旋律方面沒有太多的限制，演奏者在演奏過程中可以自由、大膽、隨心所欲的發揮。自由爵士具有全新的節奏概念，節拍、對稱性被統統打亂，同時，它也強調音樂本身的強度與張力，加入大量的不諧和音，把非洲、印度、日本、及阿拉伯等不同的音樂融合到了一起，採用了印度的西塔爾琴、塔布拉雙鼓、擴音拇指鋼琴、警笛和大量的電子設備及打擊樂器，因此，有些自由爵士樂隊看上去就象一支非爵士的先鋒派樂隊。
搖擺樂
二十年代末，美國出現大蕭條，爵士樂也隨之流行於一些秘密酒店、酒吧、妓院等場所，致使出現了一些更適合跳舞的爵士樂隊——搖擺樂大樂隊。最早出現的搖擺樂隊是Fletcher Henderson（費萊切·漢德森）的大樂隊，但使搖擺樂真正確立樂壇的要算是1935年Benny Goodman（本尼·古德曼）大樂隊的成功，直到1946年大樂隊時代結束為止，搖擺樂一直是流行樂壇上一支重要的力量。搖擺樂不同於早期的爵士樂，在演奏過程中不太注重合奏，反而更加強調獨奏。個人的即興主要以旋律為基礎，與以前的演奏相比，這更具有冒險性。
這時期許多爵士藝術家經常與一些歐洲經典樂藝術家一起交流、探討、相互借鑒，所以在搖擺樂中你也可以聽到貝多芬、勃拉姆斯的回響。
搖擺樂繼承了早期爵士樂的一些傳統，同時也開辟了個人表演的新領域，許多大樂隊的樂手後來都成為爵士巨星。
Cool爵士
1950年，Miles Davis九人小組推出的專輯《The Birth of The Cool》，標志著Cool爵士的產
生。
Cool爵士選用的音調是輕柔的、淡雅的，音質柔和乾爽。獨奏中，帶給你一種柔和舒緩、剋制的感覺。其重奏部分微妙深奧，有時讓你聯想起歐州經典室內樂。Cool爵士雖然也揉進了Bop的音調、旋律與和聲的優勢，但是比Bop的即興演奏更舒緩平滑，音色更加和諧，與Bop相比，Cool爵士樂經常突出體現一種鬆弛感，而沒有Bop那麼強的內在張力。
Cool爵士鼓手也更加安靜，不幹擾其他音色，總而言之，Cool爵士風格是節制的，「點到為止」，這正是為什麼其樂迷稱之為「Cool」的原因。
Fusion
二十世紀七十年代，Fusion音樂漸漸發展起來，它的最初定義實際上是一種融合了爵士樂即興和搖滾樂節奏的音樂。然而隨著流行音樂、節奏布魯斯以及各種音樂形式在世界樂壇逐漸繁榮，Fusion音樂又將這些音樂風格加以借鑒，我們現在所熟悉的Fusion音樂，其實已經成為一種冠有爵士樂名稱的混合型音樂。
Regtime
Regtime（拉格泰姆）爵士樂融合了歐洲古典音樂和歐洲軍樂的特點而產生的。他打亂了古典音樂中嚴格的節拍規律，有演奏者掌握節奏的遲緩。樂曲的進行通常是起奏延緩，隨即強調音節，這種風格在當時的鋼琴演奏中極為常見。Regtime爵士樂在二十世紀出的十五年中非常盛行，雖然這種風格對爵士樂的形式具有非常重大的影響但是因為 它缺乏Blues的感覺和沒有即興感覺，所以並不能稱之為真正的爵士樂。
Bebop
「Bebop」一詞源出自爵士音樂家在練聲或哼唱器樂旋律時發出的毫無詞義的音節（或無意義的狂喊亂叫）。比波普的樂句經常在末尾以一個很有特色的「長一短」音型突然結束，而這個節奏又常被哼唱成「里波普」或「比波普」。這個詞初次出現在印刷品上是作為吉列斯匹6人樂隊於1945年在紐約錄制的唱片曲名–《咸花生Bebop》。
Bebop發展於搖擺時代次中音薩克斯手Lester Young和Don Byas鋼琴手Art Tatum和Nat Cole, 小號手Roy Eldgridge, 巴錫伯爵的節奏樂器組，還有Charlie parker, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, miles Davis和Bud Powell。
Bebop音樂通常由3至6人組成的小型爵士樂隊演奏。他們不用樂譜，這一點正是他們用來對抗搖擺樂使用改編樂譜的准則。演奏的程序是先把旋律完整地演奏一次（如果是12小節的布魯斯則演奏兩次），接下來是在節奏組（一般是鋼琴、低音提琴和鼓）伴奏下的幾段即興獨奏疊句，再重復第一疊句的旋律結束全曲。節奏組自始至終重復著全曲的和聲音型（包括變化音型），以保持樂曲的結構。
⑨ 抖音吉他彈女夜空最亮的星那個韓國女孩是誰
那個是那韓國歌手套上《夜空最亮的星》剪接的，原版根本不是這樣的····不過這個貝斯版的真的好聽！
⑩ 求Bebop雅妍（A-YEON）的真名，要全名！
全名就叫雅妍，不像中國非要有個姓，她是韓國人！